Arquitectura

Carlo Scarpa

Clásicos de la Arquitectura Universal

Carlo Scarpa (2 de junio de 1906 - 28 de noviembre de 1978) fue un arquitecto y diseñador italiano. Fue influenciado por los materiales, el paisaje y la historia de la cultura veneciana, así como la de Japón.

Scarpa tradujo sus intereses por la historia, el regionalismo, la invención y las técnicas del artista y artesano en un ingenioso diseño de vidrio y muebles. La arquitectura de Scarpa es profundamente sensible al paso del tiempo, desde las estaciones hasta la historia, arraigada en una imaginación material sensual.

Fue director de tesis de Mario Botta junto con Giuseppe Mazzariol; este último era director de la Fondazione Querini Stampalia cuando Scarpa completó la renovación y el jardín de esa institución. Scarpa enseñó dibujo y decoración de interiores en el Instituto universitario di architettura di Venezia desde finales de la década de 1940 hasta su muerte.

Si bien la mayor parte de su obra construida se encuentra en la región del Véneto, diseñó paisajes, jardines y edificios para otras regiones de Italia, así como para Canadá, Estados Unidos, Arabia Saudita, Francia y Suiza. Uno de sus últimos proyectos, la Villa Palazzetto en Monselice, que quedó inacabado en el momento de su muerte, fue reformado en octubre de 2006 por su hijo Tobia. Este trabajo es uno de los proyectos de paisajismo y jardines más ambiciosos de Scarpa, a pesar del Santuario Brion. Fue ejecutado para Aldo Businaro, el representante de Cassina y responsable del primer viaje de Scarpa a Japón.

BIG - IQON - Quito

Torre IQON, Quito, Ecuador

Bjarke Ingels Group BIG, 2022

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imagen cortesía de: BICUBIK©

Después de cuatro años de construcción, la torre 'IQON' de Bjarke Ingels Group concluye su construcción en Quito, Ecuador, para convertirse en el primer proyecto del equipo en América del Sur.

El edificio residencial se eleva 130 metros para convertirse en el más alto de la ciudad montañosa, que ya es conocida por sus elevaciones ultra altas, ya que se encuentra a una altura de 2,850 MSNM entre las estribaciones de los Andes.

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imagen cortesía de: BICUBIK©

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Quito se define en gran medida por su densa trama urbana de edificios de poca altura, su horizonte ha sufrido cambios recientes con la reubicación de su aeropuerto en el centro de la ciudad hace más de una década. BIG recibió el encargo de Uribe Schwarzkopf en 2017 para diseñar una torre de uso mixto de 36,000 metros cuadrados, que incluye 215 residencias, unidades comerciales, espacios de oficinas y una variedad de amenidades. Además de IQON, BIG y las cercanas EPIQ Residences de Uribe Schwarzkopf están programadas para terminar la construcción en 2023.

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imagen cortesía de: BICUBIK©

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Los arquitectos de Bjarke Ingels Group / BIG diseñan IQON como una comunidad vertical y una extensión del parque vecino La Carolina, que continúa hasta la fachada. El edificio presenta una notable esquina curva, envuelta por terrazas que continúan alrededor del perímetro del edificio con vistas al parque, la ciudad y sobre el volcán Pichincha.

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El equipo describe la identidad arquitectónica del proyecto por su fachada 'desnuda' de hormigón visto en bruto. Esta cualidad funciona a la vez como la estructura del edificio y su característica más reconocible. Los 'píxeles' individuales se apilan en treinta y dos pisos de altura y se giran para proporcionar las mejores vistas posibles al mismo tiempo que se crean terrazas para los apartamentos. Celebrando árboles y plantas nativas, el edificio integra vegetación siempre que sea posible para aprovechar el clima templado y la ecología de Ecuador, el país con la mayor cantidad de especies de plantas por metro cuadrado en el mundo.

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imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

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imagen cortesía de: BICUBIK©

'Hemos tratado de tomar todas las cualidades icónicas de Quito', dice Bjarke Ingels, 'como el placer de vivir en uno de los lugares con mayor biodiversidad del planeta, en una ciudad en el Ecuador donde las estaciones son perfectas para ambos vida humana y vegetal, y llevar esa experiencia a la dimensión vertical. IQON es toda una comunidad vertical de viviendas individuales; una extensión del parque La Carolina que ahora sube hasta la azotea”.

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imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

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La plaza de la planta baja de IQON de Bjarke Ingel incluye amplios espacios públicos, áreas comerciales y arte público para el público de Quito, Ecuador. Esta plaza central sirve como armadura conectiva entre el parque y el resto del vecindario. Al ingresar al vestíbulo, la paleta de materiales pasa del exterior crudo y minimalista a una estética más refinada; los adoquines de piedra de mármol complementan el mostrador de recepción de carpintería personalizada, y los puntos de contacto de hormigón hacen un guiño a la fachada. Los tonos verde esmeralda profundos se utilizan en las tejas del techo, los buzones y hasta el vestíbulo del ascensor, un área ubicada más allá de un portal de acero ennegrecido.

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

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imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

El amor por la naturaleza en todo Quito continúa desde sus espacios públicos debajo de cada vivienda dentro de IQON de Bjarke Ingels Group. Esto se logra a través de jardineras escultóricas que se integran en la arquitectura del edificio. Los maceteros se convierten en una escultura de hormigón única dentro de los apartamentos, creando espacio para la zona de raíces del árbol para la terraza del apartamento de arriba, mientras transforman la fachada del edificio en una celebración de la verde biodiversidad de Quito.

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imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre

Además, IQON sirve como una granja de árboles urbana: una vez que la vegetación plantada en las terrazas crece más que su maceta, se puede volver a plantar en parques de toda la ciudad. De esta forma, el edificio se convierte en parte de un ciclo verde: de parque a edificio, y de vuelta a parque.

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imagen cortesía de: BICUBIK©

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imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

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imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

INFORMACION DEL PROYECTO:

Título del proyecto: IQON

Arquitectura: Bjarke Ingels Group (BIG) | @big_builds

Ubicación: Quito, Ecuador

Cliente: Uribe Schwarzkopf | @uribeschwarzkopf

Fotografía: © BICUBIK, Pablo Casals Aguirre | @pablocasalsaguirre_works

Socio a cargo: Bjarke Ingels, Thomas Christoffersen

Diseñador del proyecto: Lorenz Krisai

Arquitectos del proyecto: Lucía Sánchez Ramírez, Stephanie Choi

Equipo: Amir Mikhaeil, Andrea Di Pompeo, Angel Barreno Gutiérrez, Benjamin Caldwell, Benjamin Novacinski, Chi Yin Kwok, Chengjie Li, Claire Djang, Clara Sanfeliu, Deborah Campbell, Douglass Alligood, Francesca Portesine, Jason Wu, Jan Leenknegt, Josiah Polonia, Juan David Ramirez, Ma Ning, Magdalena Narkiewicz, Margaret Tyrpa, Maria Sole Bravo, Peter Sepassi, Rune Wriedt, Sebastian Grogaard, Sijia Zhou, Stephanie Choi, Stephanie Mauer, Terrence Chew, Tracy Sodder, Ying Yi Cai, Ziad Shehab

Colaboradores: Ingenieros René Lagos y Fernando Romo (ingenieros estructurales locales), CCP Wind Tunnel (Consultor Eólico), Geo Estudios (Consultor Civil), Trialmech (Consultor Mecánico), Incoayam (Consultor de Plomería), Consel (Consultor Eléctrico), Estrusa (Consultor ).


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2022

Oscar Niemeyer - Chateau La Coste

Arq. Oscar Niemeyer - Pabellón en las bodegas Chateau La Coste, Aix-En Provence, Francia.

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La obra Final de Oscar Niemeyer ha sido concluida.

Un pabellón diseñado por el difunto arquitecto brasileño Oscar Niemeyer se inauguró en el viñedo Château La Coste en el sur de Francia.

Diseñado en 2010, dos años antes de la muerte de Niemeyer a los 104 años, el pabellón blanco curvo se creó para sentarse cómodamente en el paisaje.

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Ubicada en un viñedo en el Sur de Francia

Ubicado en el paisaje ondulado de Provenza y hogar de obras de artistas como Frank Gehry, Tracey Emin, Tadao Ando, ​​Louise Bourgeois, Jenny Holzer y Ai Weiwei,

Château La Coste ahora tiene un auditorio de 80 asientos que se encuentra dentro de un tambor circular de concreto blanco, unido como una bisagra a una galería con paredes de vidrio de 4,000 pies cuadrados en forma de lágrima.

Se asienta en un chapuzón en los viñedos que rodean el hotel en Château La Coste, y se llega a él por un camino que serpentea lánguidamente entre los viñedos, entrando al pabellón a través de un espejo de agua poco profundo.

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Estos son motivos familiares de los edificios anteriores de Niemeyer. Usó agua en todas partes, desde Brasilia hasta su edificio de oficinas para Mondadori en las afueras de Milán.

La confrontación de un elemento sólido en forma de tambor, con un vidrio transparente de forma libre, es una paráfrasis del centro cultural de Le Havre que terminó en 1983.

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Los espejos de agua contrastan los volúmenes blancos

"La ubicación es muy hermosa y un ambiente agradable y tranquilo", dijo Niemeyer mientras diseñaba el proyecto.

"El pabellón tenía que ser una construcción ligera adaptada al paisaje así como a la vegetación. La estructura se siente como en casa en este entorno y será un placer caminar por ella".

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Rodeado de viñedos, el pabellón consta de dos elementos distintos: un espacio de galería con paredes de vidrio y un auditorio cilíndrico.

Se diseñó una piscina junto al pabellón para reflejar su forma.

"El pabellón, con su arquitectura orgánica y curva, refleja el estilo distintivo de Niemeyer y se asienta en perfecta armonía con los viñedos de los alrededores y las ondulantes colinas provenzales", según Château La Coste.

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La galería está rodeada de viñedos

"La llamativa fachada de vidrio da la impresión de que el viñedo se despliega a través del edificio, mientras que la piscina poco profunda en la entrada captura maravillosamente la interacción de la luz y el reflejo".

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Los interiores son caracteristicamente blancos casi en su totalidad

El espacio de la galería de 380 metros cuadrados está rodeado por todos lados por paredes de vidrio, con vistas a los viñedos circundantes.

Junto a él, el auditorio completamente cerrado de 140 metros cuadrados tiene asientos para 80 personas.

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El arte plástico del autor presente en su obra

Niemeyer, ganador del Premio Pritzker de Arquitectura, es uno de los arquitectos más célebres del siglo XX. Es mejor conocido por su diseño de la capital de Brasil, Brasilia, así como la sede de las Naciones Unidas en Nueva York.

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El pabellón es uno de los numerosos edificios diseñados por Niemeyer en Francia, donde vivió durante casi 20 años.


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2022

Zaha Hadid - Sharjah

Zaha Hadid Architects completa la sede de Beeah con forma de duna en Sharjah

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Zaha Hadid Architects se basó en las señales visuales de las ondulantes dunas del desierto al crear la sede sinuosa de la empresa de gestión ambiental Beeah Group en Sharjah, Emiratos Árabes Unidos.

Diseñado por la fallecida arquitecta Zaha Hadid, el tan esperado cuartel general de Beeah toma la forma de una serie de "dunas interconectadas" que hacen eco de los alrededores del desierto de Al Sajaa.

El edificio de 9.000 metros cuadrados sirve como centro administrativo y de gestión para Beeah Group. Según Zaha Hadid Architects, se centra en la sostenibilidad para reflejar el trabajo de la empresa.

Está alimentado por una matriz solar y cumple con los estándares LEED Platinum, la certificación más alta otorgada por el programa de certificación de edificios ecológicos, que establece "un nuevo punto de referencia para los lugares de trabajo del futuro".

"La sede es el último hito para Beeah Group, ya que continúa siendo pionero en innovaciones para Sharjah y en todo el mundo, estableciendo una base de operaciones para que el grupo se diversifique en nuevas industrias críticas para el futuro", dijo Zaha Hadid Architects.

"Con su nueva sede, Beeah demuestra cómo la tecnología puede escalar el impacto sostenible y, en última instancia, servir como modelo para las ciudades inteligentes y sostenibles del mañana".

Mientras se hace eco de las dunas de arena circundantes, la forma de la sede de Beeah también está diseñada y orientada para resistir las condiciones climáticas extremas experimentadas en el sitio.

El edificio está alimentado por una matriz solar conectada a paquetes de baterías Tesla, que según el estudio satisface la demanda de energía del edificio durante el día y la noche.

El acristalamiento se minimiza en toda la oficina para evitar la exposición al duro sol del desierto, mientras que los paneles de hormigón reforzado con fibra de vidrio en el exterior ayudan a regular las temperaturas internas.

También hay instalaciones de tratamiento de agua en el sitio que filtran las aguas residuales para minimizar el consumo.

En el interior, el edificio está dividido en dos alas. Uno alberga los departamentos públicos y de gestión del Beeah Group, mientras que el otro contiene la zona administrativa.

Estas áreas están conectadas por un patio central, descrito por Zaha Hadid Architects como un "oasis dentro del edificio" que ayuda a proporcionar ventilación natural.

Lo más destacado del interior es el vestíbulo abovedado de 15 metros de altura del edificio, que ha sido diseñado para mejorar la ventilación natural y permitir que se filtre la luz natural.

La sede también cuenta con un centro de visitantes, un auditorio y salas de reuniones inteligentes diseñadas para facilitar la colaboración con trabajadores remotos y de oficina.

Todos los espacios internos están posicionados para garantizar una gran cantidad de luz natural y vistas al exterior sin necesidad de grandes extensiones de vidrio.

Se ha incorporado un sistema inteligente de gestión de edificios para ajustar automáticamente la iluminación y la temperatura en función de la ocupación y la hora del día.

Zaha Hadid Architects fue establecida en 1980 por Hadid y ahora está dirigida por Patrik Schumacher. Ganó el concurso para crear la sede de Beeah en 2013, que diseñó en colaboración con los ingenieros y consultores Atelier Ten y Buro Happold.

Otros proyectos recientemente completados por el estudio incluyen un parque urbano de varios niveles en Nicosia y el Museo One Thousand en Miami. Este año también se debe completar un estadio de fútbol palaciego en China, que se presenta en nuestro resumen de 12 proyectos de arquitectura que esperamos en 2022.

La fotografía es de Hufton+Crow.


V I D E O:


Creditos:

Arquitecto: Zaha Hadid Arquitectos

Diseño: Zaha Hadid y Patrik Schumacher

Directora del proyecto: Sara Sheikh Akbari

Director comercial: Charles Walker

Equipo de proyecto: Gerry Cruz, Drew Merkle, John Simpson, Matthew Le Grice, Maria Chaparro, Frenji Koshy, Leo Alves, Erwan Gallou, Vivian Pashiali, Alia Zayani, Alessandra Lazzoni, Dennis Brezina, Eider Fernandez-Eibar, Rasha Al-shami, Marco Pavoni, Ben Kikkawa, Maria Vergopoulou-Efstathiou, Haohao Chen, Thanh Dao

Director del proyecto de la Fase 1: Tariq Khayyat

Arquitecto del proyecto de la fase 1: Kutbuddin Nadiadi

Equipo de diseño: Gerry Cruz, Drew Merkle, Yuxi Fu, Xiaosheng Li, Edward Luckmann, Eleni Mente, Kwanphil Cho, Mu Ren, Harry Ibbs, Mostafa El Sayed, Suryansh Chandra, Thomas Jensen, Alexandra Fisher, Spyridon Kaprinis, John Randle, Bechara Malkoun, Reda Kessanti, Carolina López-Blanco, Takehiko Iseki, Matthew Johnston, Sabrina Sayed, Zohra Rougab, Carl Khourey, Anas Younes, Lauren Barclay, Mubarak Al Fahim

Equipo de competencia: Xiaosheng Li, Gerry Cruz, Yuxi Fu, Drew Merkle, Lauren Barclay, Mostafa El Sayed, Alia Zayani, Mubarak Al Fahim

Consultor de estructura, fachada, acústica, transporte y civil: Buro Happold

MEP, consultor de iluminación, protección contra incendios y seguridad de vida: Atelier Ten

Consultor de sostenibilidad (etapa de diseño): Atelier Ten

Consultor de sustentabilidad (etapa de construcción): Buro Happold

Consultor de costos: Gardiner & Theobald

Gerente de proyecto: Matthews suroeste

Paisaje: Francisco Paisaje

Arquitecto local: Bin Dalmouk, DSA Architects International

Contratista principal: Al Futtaim Construction


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2022

Premios J.Drew y A.L.Huxtable 2022 para: F.Moussavi y M.Hatoum

Los Premios Jane Drew y Ada Louise Huxtable 2022 para: Las Arquitectas Farshid Moussavi y Mona Hatoum

El arquitecto Farshid Moussavi y la artista Mona Hatoum han sido nombrados los ganadores de los premios Jane Drew y Ada Louise Huxtable de este año.

La arquitecta, educadora y escritora británico-iraní Farshid Moussavi ha sido galardonada con el Premio Jane Drew de Arquitectura 2022,

un premio que reconoce a un diseñador de arquitectura que, a través de su trabajo y compromiso con la excelencia en el diseño, ha elevado el perfil de las mujeres en la arquitectura.

Moussavi fue cofundador de Foreign Office Architects, famoso por la terminal de ferry internacional de Yokohama que se inauguró en 2002, y fundó Farshid Moussavi Architecture (FMA) en 2011.

Las obras de la práctica incluyen el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland, así como dos proyectos de vivienda. en Francia, Îlot 19 en Nanterre desde 2016 y La Folie Divine en Montpellier un año después,

y actualmente está trabajando en el Ismaili Center Houston, que se completará en 2024.

“Es un gran honor para mí recibir el Premio Jane Drew, que ha hecho tanto para llamar la atención sobre los logros de las mujeres en el campo de la arquitectura”, dijo Moussavi.

Hay relativamente pocos modelos a seguir para las mujeres en la práctica arquitectónica y creo que esto les da la libertad de ser más creativas para responder a los desafíos urgentes que enfrentan los arquitectos hoy en día, ya sea que estos desafíos estén encontrando usos nuevos y más generosos para los edificios, así como nuevos lenguajes en los que involucrar a un público más amplio y diverso, o abordar el cambio climático para proteger a las generaciones futuras.'

La falta de un estilo prescriptivo es la fuerza de Moussavi. Ambivalente en cuanto a los modelos a seguir,

pero interesada tanto en el género y la diferencia como en el detalle y la micropolítica, Moussavi está resueltamente orientada hacia el futuro y seguirá sorprendiéndonos.

La artista británico-palestina Mona Hatoum es la ganadora del Premio Ada Louise Huxtable por Contribución a la Arquitectura 2022,

que reconoce a las personas que trabajan en la industria arquitectónica más amplia que han hecho una contribución significativa a la arquitectura y el entorno construido.

Nacido en Beirut y residente en Londres desde 1975, el trabajo de Hatoum suele tener una escala arquitectónica y habita habitaciones enteras:

por ejemplo, las estructuras en forma de jaula de Light Sentence de 1992, la instalación de un telar en una habitación salpicada de bolas de pelo in Recollection de 1995,

y las literas metálicas de Quarters de 1996. La performance Roadworks de 1985, era de escala urbana, con Hatoum caminando por las calles de Brixton con un par de botas Dr Marten atadas a sus pies.

En un mundo fracturado por el conflicto y el exilio, la obra de Mona Hatoum solo gana mayor relevancia e importancia. Convirtiendo objetos familiares en experiencias extrañas,

hace visible la fragilidad humana y la violencia espacial. Las exposiciones recientes incluyen importantes retrospectivas en el Centro Georges Pompidou, París, en 2015,

la Tate Modern de Londres en 2016 y el Museo de Arte Contemporáneo Kiasma, Helsinki en 2016. Actualmente, el trabajo de Hatoum se exhibe en dos ubicaciones en Estocolmo:

Museo Magasin III de Arte Contemporáneo Arte en Frihamnen y Accelerator en el campus de la Universidad de Estocolmo.

A finales de este año, Hatoum tendrá tres exposiciones individuales que se inaugurarán simultáneamente en Berlín: Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), Museo Georg Kolbe y KINDL – Centro de Arte Contemporáneo.


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2022

Ricardo Bofill 1939-2022

Ricardo Bofill, el arquitecto español fundador de Taller de Arquitectura (RBTA), diseñador del icónico Walden 7 y de más de 1.000 proyectos en cuarenta países, ha fallecido este viernes 14 de enero a los 82 años en Barcelona, ​​según ha anunciado oficialmente su propio despacho a través de un comunicado.

Corría el año 1963 cuando, habiendo sido expulsado de la Escuela de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) por antifranquista, fundó lo que hoy sería un colectivo transdisciplinar. Con el poeta José Agustín Goytisolo, su hermana Anna —que además de arquitecta era música—, su primera mujer, la actriz Serena Vergano, y una docena de sociólogos, cineastas y fotógrafos formaron el Taller de Arquitectura en Sant Just Desvern, a las afueras de Barcelona, dentro de una antigua fábrica de cemento reconvertida en un monumental estudio-vivienda donde Bofill continuó viviendo toda su vida. Junto a ese estudio, el Taller construyó uno de los inmuebles más carismáticos de España, el Walden 7 (1975). Tal era la fama de lugar rompedor de ese edificio de viviendas que Juan Marsé hizo que el protagonista de su novela El amante bilingüe viviera allí. Eso sí, cada mañana el tipo apartaba de su camino las baldosas que se habían caído de la fachada.

Instalado en París, y conseguido su título de arquitecto en Ginebra, su enorme cultura, su frescura, su audacia y su charme convirtieron a Bofill en un proyectista cosmopolita. Desplegó su defensa de la plaza mediterránea como lugar de encuentro y convivencia y su obsesión por actualizar la historia —como monumentalidad habitada— por toda Francia. En Versalles, construyó Les Arcades du Lac (1982), una ville nouvelle de manzanas ortogonales que ―como Le Palais d’Abraxas o Le Théâtre y L’Arc en Marne-la-Vallée― combinan tecnología e historicismo, jardín francés, vivienda social y la obsesión bofilliana de reivindicar la convivencia cívica.

Tal vez por rebeldía o quizá porque se esforzó por ser un tipo libre, Bofill esquivó el racionalismo casi toda su vida. Le preocupó más construir lugares conectados a la ciudad que edificios aislados. En medio de una ola generalizada de depuración moderna —que solo empleó para simplificar y actualizar el carácter vernáculo de sus primeros proyectos— él siempre respondió recurriendo a la historia. Y a la tecnología. Así, fue postmoderno antes de la postmodernidad —cuando serlo pasó a indicar más moda que cultura histórica—. Con todo resulta paradójico que hoy resulte difícil ponerle fecha a barrios como Echelles du Baroque, en el distrito XIV de París, o Antigone en Montpellier, que, levantados a principios de los ochenta, construyen una presencia todavía abrumadora en la ciudad.

La firma elogió la capacidad de Bofill para "cuestionar el pensamiento dominante en arquitectura. [Sus obras] abarcan una expresión de estilo, conectada con el contexto, que presenta una fuerte dosis de innovación y riesgo". Además, RBTA ha confirmado que sus dos hijos, Ricardo Emilio y Pablo, seguirán al frente de la firma fundada en 1963.

Si el sueño de habitar columnas colosales lo combinamos con el uso de vivienda colectiva, el resultado puede llegar a ser una bomba de relojería, como sucede en el edificio de apartamentos de Chicago «Pensacola Place II» (1981). En ese icónico edificio, Stanley Tigerman convierte una fachada de vidrio de 14 pisos de altura puramente funcionalista, en un verdadero templo jónico habitado. Para ello, el arquitecto norteamericano superpone al volumen convencional del edificio un entablamento gigante como remate superior y unos balcones semicirculares que reconstruyen visualmente seis columnas de proporciones descomunales.

«La creación de la gigantesca columnata imaginaria se realizó con los materiales más sencillos. Las columnas, que son los balcones escalonados de los apartamentos, ganaron cuerpo con unas barandillas de malla fina recubiertas de vinilo que combinan transparencia para las vistas con aparente solidez para potenciar la ilusión.» (Tigerman, 1983)[1]

Lo que en manos de Tigerman resultaba un mero juego estilístico, o un guiño visual a la historia tan común en la efervescente posmodernidad, se estaba convirtiendo en la periferia de París, casi de manera simultánea, en poco menos que asunto de estado. El presidente francés, François Mitterrand, neoclasicista y faraónico a partes iguales,[2] pero siempre enamorado de los proyectos de gran envergadura, confía en Ricardo Bofill, en sus columnas gigantes, y en varios de sus acólitos, para construir algunos de los edificios de vivienda social más icónicos en los alrededores de la capital francesa. Todos ellos, complejos necesarios para la expansión de ciudades-dormitorio de nueva creación como Marne-la-Vallée o Cergy-Pontoise, que acogieran el crecimiento incontrolado de la metrópolis parisina. La idea de entender la vivienda como un palacio[4] sustituye aquí a la de la «machine à habiter» corbuseriana como propuesta para la reconstrucción francesa, convirtiéndose en el leitmotiv principal de proyectos como «Les Espaces d’Abraxas» (1983) del propio Bofill o «Les Arenes de Picasso» (1984) de Núñez Yanowsky, uno de sus antiguos colaboradores del Taller de Arquitectura. Ambos complejos están repletos de columnas de vidrio de hasta nueve plantas, entablamentos de hormigón prefabricado, y aires de un retrofuturismo distópico neoclásico, que les convertirá en contextos perfecto para rodar años después escenas de películas que dibujan futuros fatalistas como Brazil (1985) de Terry Gilliam o Los Juegos del Hambre (2008).

Estos proyectos se desarrollan bajo el amparo de una política pública que utilizará esta concepción formal palaciega de la vivienda social de construcción masiva como slogan perfecto para enmascarar un urbanismo que repite los errores del pasado, creando guetos cerrados y periféricos, sin mejorar tampoco los estándares de las viviendas, pero que sin embargo, construyen una falsa identidad de vivir como un «Rey Sol en un Versalles para el pueblo», en y entre esas columnatas de proporciones desorbitadas, sumergidos en esos palacios de periferia en los que nacerán los futuros príncipes y princesas del pueblo.

Su despacho ha anunciado un acto público que se celebrará los próximos 26 y 27 de enero en la sede de Barcelona para quienes quieran rendir homenaje a Bofill.


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2022

Amplian el MASP de LBB

El Museo de Arte de São Paulo anuncia el lanzamiento del proyecto MASP en expansión. El nuevo proyecto tiene como objetivo adaptar la estructura física del museo a su ambición institucional, transformándolo para las generaciones venideras.

lina bo bardi - diseñobolivia.com

Este es el logro más significativo en la historia del museo tras su traslado de la Rua 7 de Abril, en la sede de Diários Associados, a la Avenida Paulista, en 1968. En ese momento, se produjo el cambio para que el museo tuviera sede en altura de su colección. El edificio diseñado por Lina Bo Bardi (1914-1992), reconocido por su trabajo con el León de Oro Especial en la Bienal de Venecia en 2021, se ha convertido en una postal de la ciudad y en un símbolo de la arquitectura moderna mundial del siglo XX.

Como una forma de preservar y mejorar la historia de la institución con el reconocimiento de sus fundadores, el edificio original llevará el nombre de su arquitecta, Lina Bo Bardi, y el nuevo edificio llevará el nombre del primer director artístico del museo, Pietro Maria Bardi ( 1900-1999). Estos nombres, combinados con el de la propia institución, el Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, que hace referencia a su fundador (1892-1968), completarán el homenaje al trío fundador del MASP.

lina bo bardi - diseñobolivia.com

“MASP atraviesa así el mayor proceso de expansión física de su historia, realizado con recursos propios. Vamos a incrementar la capacidad expositiva del museo en un 66%, integrando los dos edificios, y esta es una inversión muy relevante para la cultura paulista. Creo que esta expansión consolida al museo y a la misma Avenida Paulista como eje cultural, quizás el eje cultural más importante de Brasil, del cual MASP, sin duda, es el ancla ”, dice Alfredo Setubal, Presidente del Directorio de MASP.

Programado para entrega en enero de 2024, el edificio Pietro tendrá 14 pisos. Estos estarán ocupados por cinco salas de exhibición y dos galerías de usos múltiples, lo que representa un aumento del 66% en el área de exhibición del MASP. El edificio también albergará restaurante, taquilla, tienda, reserva técnica, aulas y laboratorio de restauración. Al final de la renovación, la superficie total del MASP será de 17.680 m² (hoy son 10.485 m²). Además de aumentar el espacio físico, la nueva construcción ampliará lo que MASP es y ya representa a nivel nacional e internacional.

 Debido a limitaciones físicas, actualmente se exhibe poco más del 1% de la colección del museo. En total, MASP cuenta con más de 11.000 obras entre pinturas, esculturas, objetos, fotografías, videos y vestimentas de diferentes épocas, que abarcan la producción europea, africana, asiática y americana. Este es otro aspecto que se verá afectado positivamente por la apertura.

 “La colección de MASP ha ido creciendo. Nuestro plan es que el edificio Lina se dedique a la exposición de obras que pertenezcan a la colección del museo, especialmente en las zonas subterráneas. Las nuevas galerías deberían llenarse de exposiciones temporales, todas con techos altos y equipadas con sistemas de aire acondicionado e iluminación de última generación ”, afirma Adriano Pedrosa, director artístico de MASP. “Actualmente, la programación del museo tiene un horario apretado y estos espacios brindarán un mayor respiro en el calendario y una mejor organización en la narrativa de las exposiciones”.

 El edificio Pietro también permitirá complementar y calificar las instalaciones técnicas del museo, con la ampliación de áreas como almacenes y muelles, que hoy imponen límites concretos a la gestión operativa.

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Una parte esencial del proyecto es la interconexión subterránea entre los dos edificios, que se construirá bajo Rua Prof. Otavio Mendes – ya autorizado por la Ciudad de São Paulo. Otra transformación importante será el traslado de la taquilla al edificio Pietro, liberando el espacio abierto y devolviendo este espacio a su uso como plaza pública, uso que defendió Lina Bo Bardi desde que idealizó la actual sede del MASP.

 El edificio Pietro contará con pisos completamente transparentes cerca del suelo, en diálogo con el vano libre, y los pisos superiores cubiertos con láminas de metal perforadas y corrugadas, lo que permitirá una imagen monolítica sin perjudicar las vistas del paisaje y la entrada de natural. luz a través de aberturas estratégicamente ubicadas, de acuerdo a las necesidades de los espacios internos.

 En diálogo con Heitor Martins, director-presidente del museo, y otros líderes del museo, el arquitecto Paulo Mendes da Rocha (1928-2021), Pritzker de arquitectura, enfatizó que MASP debe diseñar un nuevo edificio que traiga todas las funcionalidades necesarias para lo que se hace en el museo, pero siguiendo una arquitectura que enfatiza la desarrollada por Lina sin competir con ella.

 El proyecto buscará soluciones sostenibles para reducir la huella de carbono. El proyecto contará con la certificación LEED (Leadership in Energy and Environmental Design). El edificio será moderno y tecnológico, con iluminación LED y automatizada, con una importante reducción del consumo energético. Además, habrá una doble fachada que protege el edificio de la radiación solar y sombrea las ventanas, reduciendo la carga térmica interna. La malla metálica que revestirá el edificio permite que se forme una capa de aire entre el edificio y la fachada exterior, creando un microclima. Esto alivia el sistema de ventilación y aire acondicionado y reduce el consumo de energía.

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La ampliación del museo fue concebida por primera vez por Júlio Neves, arquitecto que ocupó el cargo de presidente del MASP durante 14 años, de 1995 a 2009. En la década de 1990, Neves fue responsable de la renovación que incluyó la instalación de la reserva técnica del museo. y la renovación del sistema de aire acondicionado. Participó en la compra del edificio Dumont-Adams en la década de 2000 y desarrolló el diseño inicial del edificio. A lo largo de los años, el proyecto ha sufrido cambios para obtener la aprobación de los organismos del patrimonio histórico y cumplir con los nuevos usos previstos del espacio.

 “Este proyecto que comienza ahora es equivalente a la tecnología aplicada a los mejores museos del mundo y no conozco otra estructura similar en Brasil. Creo que el MASP en expansión será un caso único de planificación y modernidad en nuestro país ”, dice Júlio Neves.

 El proyecto arquitectónico es coautor de Júlio Neves con METRO Arquitetos Associados, los socios Martin Corullon y Gustavo Cedroni. La oficina, que ha tenido una fructífera relación con MASP desde 2015, realizó adaptaciones técnicas a los icónicos caballetes de vidrio desarrollados por Lina Bo Bardi que fueron reinstalados en el museo en 2016. Las exhibiciones flotantes, que se pueden ver en el segundo piso, son uno de los máximos símbolos del museo y forman parte del proyecto original del arquitecto.

lina bo bardi - diseñobolivia.com

METRO también se encargó de adaptar los reensambles de expografías elaboradas por Lina para MASP en exposiciones como Arte de France: de Delacroix a Cézanne (2015), Portinari popular (2016) y A Mão do Povo Brasileiro, 1969/2016 (2016-2017). ), además de crear nuevas exposiciones para exposiciones como Afro-Atlantic Stories (2018), elegido por el periódico estadounidense The New York Times como uno de los mejores de ese año. También trabajaron en mejoras al edificio, como la sustitución de los ascensores, la renovación del gran auditorio y la zona administrativa del museo. La ejecución del proyecto estará a cargo de Miriam Elwing, gerente de proyectos y arquitectura de MASP, con el apoyo de Tallento en la gestión de la obra y Racional Engenharia, quien será la responsable del desarrollo de los proyectos y ejecución de la obra.

Richard Meier se retira

El arquitecto Richard Meier se jubila de su empresa, rebautizada como Meier Partners, en un plan de reestructuración que marca el fin oficial de la participación del arquitecto de 86 años en la práctica.

Arq. Richard Meier 2020

Arq. Richard Meier 2020

Richard Meier es un artista y arquitecto abstracto estadounidense, cuyos diseños geométricos hacen un uso destacado del color blanco.

Iglesia del 2000, Roma, Italia

Iglesia del 2000, Roma, Italia

Meier ha estado fuera de la oficina desde el otoño de 2018.

Meier fundó la firma en 1963 después de breves períodos en los estudios de SOM y Marcel Breuer, y eventualmente contribuyó con diseños para el Getty Center y el Ayuntamiento de San José antes de dejar el cargo. Richard Meier & Partners Architects fue dirigido brevemente por Bernhard Karpf, quien se fue en julio de 2019 para comenzar su propia práctica en Brooklyn.

Museo de Arte Contemporaneo, Barcelona, España, 1995.

Museo de Arte Contemporaneo, Barcelona, España, 1995.

También se anunciaron nuevas incorporaciones a la firma, ya que Meier y su hija Ana continúan en funciones de asesoría. George Miller se convertirá en director de operaciones y Dukho Yeon es el nuevo diseñador principal de la firma. Ambos tendrán participación en el nuevo acuerdo. El ex socio Michael Palladino dirigirá una nueva empresa independiente desde la antigua oficina de Los Ángeles llamada STUDIOpractice. Palladino había sido anteriormente el único miembro no familiar con capital social en la empresa.

Casa Smith,  Darien, Connecticut, 1965.

Casa Smith, Darien, Connecticut, 1965.

Gran parte del trabajo de Meier se basa en el trabajo de arquitectos de principios a mediados del siglo XX, especialmente el de Le Corbusier, en particular su obra temprana. Se considera que Meier ha construido más utilizando las ideas de Corbusier que nadie, incluido el propio Le Corbusier. Meier amplió muchas ideas evidentes en el trabajo de Le Corbusier, particularmente la Villa Savoye y el Pabellón Suizo.

Su trabajo también refleja las influencias de otros diseñadores como Mies Van der Rohe y, en algunos casos, Frank Lloyd Wright y Luis Barragán (sin el color). El blanco se ha utilizado en muchos edificios arquitectónicos emblemáticos a lo largo de la historia, incluidas las catedrales y los pueblos encalados de la región mediterránea, en España, el sur de Italia y Grecia.

Museo Ara Pacis, Roma, Italia.

Museo Ara Pacis, Roma, Italia.

El alcalde de Roma, Gianni Alemanno, incluyó en su plataforma de campaña la promesa de derribar el gran muro de travertino del Museo del Ara Pacis de Meier. Desde entonces, Alemmano ha cambiado su postura sobre el edificio y ha acordado con Meier modificaciones que incluyen reducir drásticamente la altura de la pared entre un espacio al aire libre fuera del museo y una carretera transitada a lo largo del río Tíber. La ciudad planea construir una amplia zona peatonal a lo largo del río y ejecutar la carretera debajo de ella. "Es una mejora", dice Meier, y agrega que "la razón por la que el muro estaba allí tiene que ver con el tráfico y el ruido. Una vez que se elimine, la idea de abrir la plaza al río es buena".

Casa Saltzman, 1969, Long Island, EEUU.

Casa Saltzman, 1969, Long Island, EEUU.

Yeon trabajará primero junto con el joven Meier en una iniciativa de investigación que "evaluará los efectos de la luz del día en la salud y las emociones" e inspirará "una conversación más amplia sobre la importancia de la luz", según un comunicado en el nuevo sitio web de Meier Partners. Inicialmente había sido ascendida a socia a raíz del escándalo y, con Miller, ahora se hará cargo de una empresa que había estado perdiendo socios y nuevos negocios nacionales desde que su fundador renunció.

Torre ROTHSCHILD, Tel Aviv, Israel, 2017.

Torre ROTHSCHILD, Tel Aviv, Israel, 2017.

Mies van der Rohe

Grandes Maestros: Mies van der Rohe


Ludwig Mies van der Rohe (27 de marzo de 1886 - 17 de agosto de 1969) es uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX, conocido por su papel en el desarrollo del estilo arquitectónico más perdurable de la época: el modernismo. Nacido en Aquisgrán, Alemania, la carrera de Mies comenzó en el influyente estudio de Peter Behrens, donde Mies trabajó junto a otros dos titanes del modernismo, Walter Gropius y Le Corbusier. Durante casi un siglo, el estilo minimalista de Mies ha demostrado ser muy popular; su famoso aforismo "menos es más" todavía es muy utilizado, incluso por aquellos que desconocen su origen.

Mies comenzó a desarrollar este estilo a lo largo de la década de 1920, combinando las preocupaciones industriales funcionalistas de sus contemporáneos modernistas y un impulso estético hacia planos mínimos que se cruzan, rechazando los sistemas tradicionales de cerramiento de habitaciones y confiando en gran medida en el vidrio para disolver el límite entre el interior del edificio y exterior. La década estuvo marcada por su propuesta para el rascacielos Friedrichstraße, una torre de vidrio no realizada diseñada en 1921 que cimentó su fama dentro de la vanguardia arquitectónica, y por su Pabellón Alemán de 1929 en la Exposición de Barcelona (más conocido como el Pabellón de Barcelona ) que sigue siendo una de sus obras más conocidas y populares.

En 1930, Mies reemplazó a Hannes Meyer como director de la Bauhaus, la escuela fundada por su fundador Walter Gropius y más comúnmente asociada con él, sirviendo como su líder hasta que se vio obligada a cerrar en 1933 bajo la presión del gobierno nazi. En 1932, la obra de Mies formó una piedra angular de la exposición del Museo de Arte Moderno sobre "El estilo internacional" comisariada por Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock, una exposición que no solo reforzó el papel de Mies como líder del movimiento modernista, pero también llevó el movimiento en sí a una audiencia más amplia e internacional.

Después del cierre de la Bauhaus y el continuo ascenso de los nazis en Alemania, Mies no encontró trabajo en su país de origen. Finalmente decidió emigrar a los Estados Unidos en 1937, donde se instaló en Chicago y se convirtió en el director del Instituto de Tecnología de Illinois. Durante sus 20 años en IIT, Mies desarrolló lo que se conoció como "la segunda escuela de arquitectura de Chicago", un estilo de edificios de gran altura rectilíneos y simplificados ejemplificados por proyectos como 860-880 Lakeshore Drive y el edificio Seagram. Junto a esta nueva tipología de rascacielos, también continuó desarrollando su tipología de pabellón bajo que probó por primera vez en proyectos como el Pabellón de Barcelona, ​​con su Farnsworth House totalmente transparente, terminada en 1951, probablemente el ejemplo más perdurable en los Estados Unidos. A veces, Mies también pudo combinar ambas tipologías en una sola composición, como lo hizo en el complejo de tres edificios del Centro Federal de Chicago.


Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929

Pabellón de Alemania - Barcelona World Expo 1929


Edificio SEAGRAM - 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958

Edificio SEAGRAM, NYC 1958


Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968

Neue Nationalgalerie, Berlín 1968


Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Casa Farnsworth, Plano - Illinois, 1951

Silla Barcelona

Silla Barcelona

Ludwig Mies van der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe

Clorindo Testa - Banco de Londres

Banco de Londres - Clorindo Testa, Buenos Aires, Argentina.

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

En 1959 se llamó a un concurso por invitación para el proyecto de la Casa Central del Banco de Londres y América del Sud. El terreno era una esquina ubicada en el microcentro de Buenos Aires, donde se concentra la actividad financiera.
El proyecto ganador resultó el presentado por el equipo de Clorindo Testa asociado con S. E. P. R. A sociedad integrada por los arquitectos: Sanchez Elía, Peralta Ramos y Agostini.
Este proyecto, por su planteo arquitectónico urbanístico es una de las manifestaciones más originales, audaces y trascendentes de la arquitectura internacional de los años 60.
Situación
Sobre una esquina del microcentro porteño, emerge una inmensa estructura rectangular de hormigón armado. Extraña e insólita, contrasta con los tradicionales edificios bancarios que lo rodean.
Concepto
Los mecanismos innovadores en la obra fueron varios. En primer lugar, el planteo de integración del edificio al paisaje urbano como un espacio de continuidad y no de clausura, marcaba ya una ruptura con las posiciones tradicionales.
El banco está ubicado entre dos calles muy estrechas: Reconquista y Bartolomé Mitre, de unos 10 mts. de ancho cada una. El proyecto se pensó aprovechando este ángulo delimitado por los edificios vecinos. La idea principal era que la ciudad penetrase dentro del banco, sin que hubiese ninguna división entre espacio interno y externo, ampliando la angostura de las calles. Según sus autores, el Banco de Londres no debía funcionar como un edificio convencional, sino más bien como una plaza cubierta.
El Brutalismo en Argentina
El llamado brutalismo arquitectónico fue una tendencia de origen europeo que tuvo un importante desarrollo en Argentina entre las décadas del 50 y del 60. Se caracterizó por realizar una lectura crítica de las convenciones y clichés vigentes, enfatizando la búsqueda de una dimensión poética en la arquitectura a través del uso de la luz, los grandes espacios y una aplicación particular de los materiales. La obra brutalista se proponía exhibir las huellas del proceso de construción como una nueva noción ornamental, poniendo en evidencia el lenguaje constructivo del hormigón armado, el ladrillo visto, el vidrio y el hierro. La estructura portante de la obra tenía un papel expresivo fundamental, despojándola de toda voluntad académica de representación. Este efecto se alcanzaba liberando las plantas, colgando entrepisos o enfatizando las vigas de borde paRA generar líneas horizontales dominantes en grandes espacios austeros. También se les daba tratamiento escultórico a columnas, pórticos y escaleras, posibilitando dobles y hasta triples alturas.
En Argentina, el brutalismo reconoce tres fuentes diferentes. En primer lugar, el legado del arquitecto franco-suizo Le Corbusier, puesto en evidencia en obras como el Pabellón Suizo de la Ciudad Universitaria de París (1930) y la Unidad Habitacional de Marsella (1945). El nuevo brutalismo inglés concebido en torno a las ideas de Peter y Allison Smithson, el crítico Reyner Banham, el fotógrafo Nigel Henderson y el artista plástico Eduardo Paolozzi. Sus obras emblemáticas fueron la Escuela de Hunstanton (1949-1954) y el Economist Building de Londres (1967), un edificio que reunía oficinas, viviendas y un banco. Por último y en menor medida, otro antecedente del brutalismo en Argentina lo constituye el formalismo norteamericano, con las obras de Eero Saarinen.
El brutalismo tuvo una gran influencia dentro de la arquitectura institucional y ganó espacios a través de los llamados a concurso. El uso de la perspectiva brutalista en edificios gubernamentales se afirmó como una opción proyectual legítima, que luego fue adoptada en edificios destinados a convertirse en colegios, universidades, hospitales y sedes bancarias. Su esplendor fue en el inicio de los años 60 y sus manifestaciones más importantes son el Banco de Londres (hoy Banco Hipotecario) y el edificio de la Biblioteca nacional de Buenos Aires, ambos de Clorindo Testa.
Estructura
Toda la estructura funciona en un espacio unico. Este esquema se encuentra comprendido y delimitado por tres elementos fundamentales: el bloque del techo y dos muros medianeros. El volumen se completa a través del sistema utilizado en sus dos fachadas, es decir, una columna perimetral. La cubierta está sostenida en parte por esta columnata, que cumple además la función de pantalla protectora del interior contra los reflejos del sol.
Materiales
El tratamiento especial del hormigón armado, modelado de manera escultórica, con sus encofrados tratados en curvas, dentados y perforados siguiendo motivos geométricos, refuerza el carácter innovador de la obra. El uso escultórico y funcional del hormigón armado es una característica distintiva de Clorindo Testa.

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

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Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

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Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

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Longitudinal Section / Sección longitudinal - Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres

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clorindo testa - diseñobolivia.com
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Longitudinal Section / Sección longitudinal - Clorindo Testa

Clorindo Testa - Banco de Londres

Clorindo Testa - Banco de Londres


Modelo 3d y edición de imágenes: Salvador Polanco

fotos_©_Federico_Cairoli

Imagenes: Marcelo Gardinetti