Carlo Scarpa

Clásicos de la Arquitectura Universal

Carlo Scarpa (2 de junio de 1906 - 28 de noviembre de 1978) fue un arquitecto y diseñador italiano. Fue influenciado por los materiales, el paisaje y la historia de la cultura veneciana, así como la de Japón.

Scarpa tradujo sus intereses por la historia, el regionalismo, la invención y las técnicas del artista y artesano en un ingenioso diseño de vidrio y muebles. La arquitectura de Scarpa es profundamente sensible al paso del tiempo, desde las estaciones hasta la historia, arraigada en una imaginación material sensual.

Fue director de tesis de Mario Botta junto con Giuseppe Mazzariol; este último era director de la Fondazione Querini Stampalia cuando Scarpa completó la renovación y el jardín de esa institución. Scarpa enseñó dibujo y decoración de interiores en el Instituto universitario di architettura di Venezia desde finales de la década de 1940 hasta su muerte.

Si bien la mayor parte de su obra construida se encuentra en la región del Véneto, diseñó paisajes, jardines y edificios para otras regiones de Italia, así como para Canadá, Estados Unidos, Arabia Saudita, Francia y Suiza. Uno de sus últimos proyectos, la Villa Palazzetto en Monselice, que quedó inacabado en el momento de su muerte, fue reformado en octubre de 2006 por su hijo Tobia. Este trabajo es uno de los proyectos de paisajismo y jardines más ambiciosos de Scarpa, a pesar del Santuario Brion. Fue ejecutado para Aldo Businaro, el representante de Cassina y responsable del primer viaje de Scarpa a Japón.

Alessi Poêle by Starck

Alessi lanza la colección Poêle de muebles metálicos de Philippe Starck

De un dibujo divertido a una colección completa: Alessi anuncia la Colección Poêle, una nueva colaboración con Philippe Starck inspirada en un utensilio de cocina - Alessi celebra el lanzamiento oficial de la Colección Poêle by Starck, en la tienda insignia del bulevar Raspail.

Recién llegada de su debut en el Salone del Mobile, mostrada en el histórico Palazzo Borromeo d'Adda de Milán como parte de la iniciativa Ars Metallica de Alessi, la Colección Poêle ya está disponible en los mercados francés y europeo.

Lo que comenzó como una broma seria, un simple dibujo de una sartén con patas, la Colección Poêle se convirtió en el primer diseño de mobiliario creado para Alessi por su colaborador de muchos años, el creador Philippe Starck, e incluye una silla, un sillón, un perchero y Un taburete en dos tamaños diferentes.

La musa de esta colección fue una colaboradora poco probable, ya que “Poêle” significa “pan” en francés; Los diseños se reflejan en la humilde y utilitaria sartén de acero. Un utensilio de cocina resistente que se encuentra en casi todas las cocinas, esta referencia rinde un homenaje perfecto a la orfebrería de Alessi y es un guiño a los orígenes de la empresa como taller de metal fundado en 1921. Han armonizado las técnicas tradicionales con una eficiencia modernizada, utilizando el clásico frío-presione, la tecnología del metal de la década de 1950 para crear la colección.

Después de haber colaborado con Philippe Starck durante 30 años, el presidente de Alessi, Alberto Alessi, dice: “He estado intentando hacer una silla con Philippe Starck durante unos 20 años y, finalmente, lo logramos. Le pregunté si era posible diseñar una silla que se fabricara como una sartén [...]. Como siempre ocurre con Starck, todo empezó con una subversión.

Starck, conocido por su filosofía a la hora de crear -mejorar la vida de tantas personas como sea posible, sin importar la forma que adopte- comenzó la colección con un sencillo dibujo. Observó; 'La Silla Poêle comenzó como una broma seria, con el boceto de una sartén con patas y la gran idea de adaptar una alta tecnología existente a diferentes propósitos.[...] La Silla Poêle encarna elegantemente los síntomas más bellos de la inteligencia humana : humor y tecnología. Muy parecida a mi relación con Alberto y Alessi.

Presentada en la exposición de la semana del diseño de Milán de Alessi, Ars Metallica, la colección Poêle incluye una silla, un taburete alto, un taburete bajo y un perchero.

El presidente de Alessi, Alberto Alessi, dijo que el lanzamiento podría marcar una nueva dirección para la marca, mejor conocida por productos de cocina como máquinas de café expreso y cubiertos.

"Siempre ha sido un sueño para mí entrar de manera importante en el mundo del mueble", afirma Alberto Alessi, que dirige la empresa desde 1970. - "Ahora, con la Colección Poêle y Philippe Starck, estamos haciendo una prueba seria", afirmó.

El diseñador francés Starck está detrás de uno de los productos más emblemáticos de Alessi, el controvertido exprimidor de limón Juicy Salif, lanzado en la década de 1990. - Alessi dijo que la pareja había estado planeando una colaboración en materia de muebles desde principios de la década de 2000.

"Llevo unos 20 años intentando hacer una silla con Philippe Starck y finalmente lo hemos conseguido", afirma.

A lo largo de sus 103 años de historia, Alessi sólo ha experimentado ocasionalmente con muebles. Los lanzamientos anteriores incluyen la silla plegable Piana diseñada por David Chipperfield en 2011 y las mesas auxiliares Blow Up diseñadas por los hermanos Campana en 2006.

La Colección Poêle abre nuevos caminos al incorporar los mismos procesos de fabricación que utiliza Alessi para fabricar sus utensilios de cocina de acero inoxidable. - Esta tecnología de prensado en frío del metal se utiliza en la fabricación de productos Alessi desde los años 50.

La pieza central de la colección es la silla Poêle, que cuenta con un asiento de acero inoxidable suavemente curvado con un acabado pulido tipo espejo. Se asienta sobre un marco de madera de haya teñida de marrón.

"Le pregunté [a Starck] si era posible diseñar una silla que se fabricara como una sartén, utilizando la alta tecnología de metal prensado en frío de Alessi", dijo Alessi.

"Como siempre ocurre con Starck, todo empezó con una subversión." Según Starck, el diseño fue tratado inicialmente como una broma. - "La silla Poêle comenzó como una broma seria, con el boceto de una sartén con patas y la gran idea de adaptar una alta tecnología existente a diferentes propósitos", dijo Starck.

"Con el asiento y el respaldo inspirados en una sartén, las patas como mangos, la Silla Poêle encarna elegantemente los síntomas más bellos de la inteligencia humana: el humor y la tecnología. Muy parecida a mi relación con Alberto y Alessi." - Alessi Ars Metallica estuvo en exhibición en el Palazzo Borromeo d'Adda en Milán del 18 al 23 de abril de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para conocer más eventos de arquitectura y diseño en todo el mundo.

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2023

Auditorio Temporal - S.Radic y N.Schmidt

Auditorio temporal para la Bienal de Arquitectura de Chile,

Plaza Bulnes, Palacio de La Moneda, Santiago de Chile, 2022

Hasta el 22 de enero se está desarrollando la XXII Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Chile: "Hábitats Vulnerables", que por primera vez se realiza en los espacios públicos del entorno de La Moneda, para promover el diálogo y la reflexión en torno a la recuperación del espacio público, así como la vulnerabilidad de las ciudades y territorios. El público podrá recorrer las instalaciones de la bienal y participar de encuentros y conferencias que son gratuitas y abiertas a todo público.

Este año la dirección de la bienal está a cargo de Loreto Lyon -directora de actividades del Colegio de Arquitectos- y Cristóbal Molina -coordinador de Arquitectura del Ministerio de las Culturas-, quienes se propusieron abordar las vulnerabilidades de las ciudades y territorios, que hoy se expresan, por ejemplo, en el deterioro de los espacios públicos, en el problema del acceso a la vivienda en un contexto de emergencia habitacional, en la fragilidad del patrimonio material o en la vulnerabilidad ambiental en un contexto de cambio climático. 

Para ambos arquitectos, esta bienal será una oportunidad para reflexionar sobre nuevas formas de vida en tiempos de cambio y transformación, y cómo la arquitectura de calidad puede contribuir a mejorar la calidad de vida de personas y comunidades.

En el costado sur del Palacio de La Moneda, los espacios públicos de la Plaza Bulnes exhiben una llamativa estructura inflable de color plateado realizada por los arquitectos Smiljan Radic y Nicolás Schmidt. 

En este auditorio temporal se llevará a cabo el programa de encuentros, debates y conferencias que contará con la participación de destacados exponentes de la arquitectura y urbanismo como Iñaqui Carnicero, Ana Falú, Cecilia Puga, Frédéric Bonnet, Atxu Amann, Alejandro Aravena, Marina Otero y Smiljan Radic. Además, reconocerá la trayectoria de Fernando Pérez Oyarzun, Premio Nacional de Arquitectura 2022 y Joan MacDonald, primera mujer ganadora del Premio Nacional de Urbanismo 2022. Además, al cierre de cada jornada se podrá ver una selección de trabajos audiovisuales sobre arquitectura, ciudad y vida urbana a cargo de Arqfilmfest.

Hasta el domingo 22 de enero el público podrá utilizar además el espacio de la Plaza de la Ciudadanía como punto de encuentro y reunión en dos instalaciones especialmente levantadas para la Bienal. Un sombreadero a gran escala a cargo de Jean Araya y Miguel Casassus, que promueve instancias de conversación; y la obra Un monumento es un prisma espejado, de Gonzalo Muñoz y Low Estudio, que explora distintas maneras de mirar y proyectar el futuro.

Todas las actividades de la XXII Bienal de Arquitectura y Urbanismo son abiertas y gratuitas para la ciudadanía.

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2023

Arata Isozaki / 1931-2022

A los 91 años ha muerto Arata Izosaki, nacido el 23 de julio de 1931 en Oita, una ciudad en la isla de Kyushu, en Japón. Estudió en la Universidad de Tokio y fue discípulo de Kenzo Tange con quien trabajó desde que terminó la carrera hasta 1963, para abrir su propio estudio. Sus primeras obras cruzaron la tradición japonesa con tecnologías y estructuras avanzadas que se acercaban al metabolismo imperante de la arquitectura nipona.

Progresivamente fue incorporando elementos arquitectónicos canónicos tanto de Oriente como de Occidente —pórticos, bóvedas, esferas y cilindros— que lo alinearía con la incipiente arquitectura posmoderna sin pasar por el historicismo literal. El MOCA (Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, 1981–1986) fue el detonador de una serie de icónicos museos y edificios públicos. La aparente discreción del museo angelino que se sumerge en la topografía del downtown donde se ubicaba el histórico Little Tokio, y abría una plaza pública dejando emerger un pórtico pétreo rojo encumbrado con una bóveda de cañón, fue uno de los reactivadores de un centro histórico semiabandonado al que le seguirían el Disney Concert Hall de Frank Gehry, la catedral de Rafael Moneo y el Museo The Broad, de Diller Scofidio + Renfro. Posteriormente construyó la sala de conciertos de Kyoto (1991–1995), el cascarón de tortuga del Palau Sant Jordi de Barcelona, una de las sedes de los Juegos Olímpicos de 1992 y el Domus, la casa del hombre (1993-1995) en la Coruña, España.

Con la sutil gestualidad atemporal de un contenedor cóncavo de pizarra y granito, el Domus antecedió al Guggenheim de Bilbao, creando un referente cultural como reactivador urbano. Le siguió el proyecto para la ampliación de la galería de los Uffizi en Florencia, donde supo someterse a un diálogo con la historia, con una elegante propuesta que articulaba la salida y la tienda de uno de los museos más visitados del mundo. A su vez, diseñó el acceso de Caixa Forum (1999–2002) de Barcelona, con un palio de estructura arbórea que cubre el impecable patio blanco que da acceso a la antigua fábrica textil proyectada por el arquitecto modernista Josep Puig i Cadafalch en 1909, y a pocos metros del pabellón alemán que Ludwig Mies van der Rohe construiría veinte años después. Con el cambio de siglo, Isozaki siguió proyectando edificios con valor de autor, obras contundentes y esquemáticas como el Centro de Convenciones en Qatar (2011), que carecían del refinado y enigmático eclecticismo de años antes, en un mundo que cambió a su pesar, tras la crisis económica del 2008.

En el 2019 recibió el Premio Pritzker. El jurado declaró que Isozaki poseía “un profundo conocimiento de la historia y la teoría de la arquitectura, abraza la vanguardia, y nunca se limitó a replicar el status quo, su búsqueda desafía las categorización estilista, y esta en constante evolución´.

Arata Isozaki, Prolífico, ecléctico —como Renzo Piano más partidario de las ideas que del estilo— y por eso tan creativo como técnico, la obra de Isozaki es, en sí misma, una antología de la arquitectura construida en la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Oita, en la isla de Kyushu, en 1931, Isozaki creció en un país arrasado y viajó por todo el mundo, literalmente por todo, antes de empezar a construir. Aprendió así no solo de la arquitectura tradicional, también de la vanguardia tecnológica y artística. Y esa mezcla de intereses fraguó en una obra que, con frecuencia, refleja más el tiempo que los lugares.

En Oita, la biblioteca de su ciudad natal es todavía un emblema del brutalismo que reconstruyó tantas ciudades tras la Segunda Guerra Mundial. Transmite orden, energía y robustez ante un futuro incierto que permitía, justo por eso, pocas dudas. La biblioteca le consiguió fama local y menos de una década después, en Kitakyushu levantó otra (1974) en la que demostró tener la mente puesta en el pop tecnológico que estaba levantando el nuevo Reino Unido. Pero Isozaki no era un Picasso de la arquitectura, alguien que aborda etapas experimentando con volúmenes, ambiciones, tipologías y materiales. Él era un ecléctico, un creador deslumbrado por la invención e incapaz de despreciar cualquier conocimiento. Por eso de ese mismo año es el Museo de Arte de Gunma, un cubo alicatado levantado sobre pilotis que a las referencias pop unió el avance de la revisión postmoderna: la que buscaba en las imágenes del pasado la construcción de un futuro que no renunciase a la expresión que había limpiado la modernidad.

Con ese bagaje, el mundo llamó a Isozaki. El MOCA, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, es todavía un hito en una ciudad plagada de notables arquitecturas. Concluido en 1986, avanza la idea de museo como contenedor —que haría explotar la Tate Modern— y sin embargo, culmina una posmodernidad rossiana ideada no para fomentar el espectáculo sino para construir una identidad urbana.

Es entonces, en plena fama mundial, cuando le llega el encargo de levantar el icono de la Barcelona olímpica. Y vaya si lo hace. Lo consigue convirtiendo la técnica en espectáculo. La cubierta se levantó en pocas horas. Corría el año 90 y ya había cámaras retratando la fuerza de los tensores. Ese icono útil de la Barcelona olímpica conjuga al Isozaki ingeniero —lo era, de ahí su afán por comprender cómo funcionan las cosas— y al artista —como su mujer, la escultora Aiko Miyawaki fallecida en 2014, con la que colaboraba asiduamente—. Isozaki tendió puentes —entre técnica y creatividad y entre Japón y el mundo— toda su vida. En 2013 lo hizo dándole la mano a Anish Kapoor en el Festival de Lucerna. Era capaz de construir hinchables, viviendas de madera o edificios de hormigón con la misma exigencia. Por eso el Palau se convirtió en un emblema del progreso responsable y de la voluntad de una ciudad que todavía estaba dispuesta a liderar la vanguardia arquitectónica más difícil: la que se levanta para transformar los lugares.

El proyecto abrió la puerta a una sucesión de encargos españoles: de la Domus, La Casa del Hombre en Coruña (1995) a la reconversión de la fábrica Casaramona en Caixaforum Barcelona (2002) o la Isozaki Atea, las torres erigidas en Bilbao, 2008 escenario de un conflicto entre el consistorio bilbaíno y Santiago Calatrava que también ilustra muy bien uno de los grandes temas arquitectónicos: ¿Qué tiene prioridad? ¿Un edificio o la ciudad?

Isozaki tenía 12 años cuando las bombas atómicas redujeron Hiroshima y Nagasaki a ruinas. Esa vivencia decidió el carácter constructivo que él le daría a su profesión. Y lo hizo conectando, tendiendo puentes entre disciplinas. Y entre personas. Invitó a arquitectos extranjeros para que construyeran en su país edificios en proyectos en los que él actuaba de urbanista. Y lo hizo con una intuición formidable. En 1989, para realizar las viviendas Nexus de Fukuoka, en el extremo occidental de Japón, invitó a trabajar a un joven Rem Koolhaas, a Steven Holl, Christian de Portzamparc, Marck Mack u Oscar Tusquets.

Pero no fue hasta 2019, cuando ya había acumulado todos sus logros y los errores empezaban a ser más frecuentes, cuando le llegó el Premio Pritzker. En estos últimos años, la capacidad para innovar del japonés había dejado de sorprender. Su Torre Allianz, levantada en Milán en 2014, no es más que un rascacielos global —tan frecuentes hoy— mucho más preparado para hablar de dinero que de lugar. La gruta orgánica de hormigón con la que cubrió el muro cortina del Centro Himalayas Zendai levantado en Shanghai en 2012 es prima hermana de la que empleó para cerrar el gigantesco Centro de Convenciones de Qatar, erigido en ese momento, pero en un entorno desértico completamente distinto. Algo parecido sucede con la Academia de Bellas Artes de Pekín, CAFA, construida en 2012, 17 años después de que culminara el Museo Domus de A Coruña. Las soluciones formales y materiales son muy similares. En los últimos años, el Isozaki sediento que había recorrido el mundo en busca de soluciones constructivas las encontró en su propio repertorio. Es un colofón con moraleja que sería mejor no desatender. Pero es también solo una anécdota en el trabajo de alguien que quiso reconstruir el mundo y supo hacerlo.

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2022

BIG - IQON - Quito

Torre IQON, Quito, Ecuador

Bjarke Ingels Group BIG, 2022

imagen cortesía de: BICUBIK©

Después de cuatro años de construcción, la torre 'IQON' de Bjarke Ingels Group concluye su construcción en Quito, Ecuador, para convertirse en el primer proyecto del equipo en América del Sur.

El edificio residencial se eleva 130 metros para convertirse en el más alto de la ciudad montañosa, que ya es conocida por sus elevaciones ultra altas, ya que se encuentra a una altura de 2,850 MSNM entre las estribaciones de los Andes.

imagen cortesía de: BICUBIK©

imagen cortesía de: BICUBIK©

Quito se define en gran medida por su densa trama urbana de edificios de poca altura, su horizonte ha sufrido cambios recientes con la reubicación de su aeropuerto en el centro de la ciudad hace más de una década. BIG recibió el encargo de Uribe Schwarzkopf en 2017 para diseñar una torre de uso mixto de 36,000 metros cuadrados, que incluye 215 residencias, unidades comerciales, espacios de oficinas y una variedad de amenidades. Además de IQON, BIG y las cercanas EPIQ Residences de Uribe Schwarzkopf están programadas para terminar la construcción en 2023.

imagen cortesía de: BICUBIK©

imagen cortesía de: BICUBIK©

Los arquitectos de Bjarke Ingels Group / BIG diseñan IQON como una comunidad vertical y una extensión del parque vecino La Carolina, que continúa hasta la fachada. El edificio presenta una notable esquina curva, envuelta por terrazas que continúan alrededor del perímetro del edificio con vistas al parque, la ciudad y sobre el volcán Pichincha.

imagen cortesía de: BICUBIK©

imagen cortesía de: BICUBIK©

El equipo describe la identidad arquitectónica del proyecto por su fachada 'desnuda' de hormigón visto en bruto. Esta cualidad funciona a la vez como la estructura del edificio y su característica más reconocible. Los 'píxeles' individuales se apilan en treinta y dos pisos de altura y se giran para proporcionar las mejores vistas posibles al mismo tiempo que se crean terrazas para los apartamentos. Celebrando árboles y plantas nativas, el edificio integra vegetación siempre que sea posible para aprovechar el clima templado y la ecología de Ecuador, el país con la mayor cantidad de especies de plantas por metro cuadrado en el mundo.

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

imagen cortesía de: BICUBIK©

'Hemos tratado de tomar todas las cualidades icónicas de Quito', dice Bjarke Ingels, 'como el placer de vivir en uno de los lugares con mayor biodiversidad del planeta, en una ciudad en el Ecuador donde las estaciones son perfectas para ambos vida humana y vegetal, y llevar esa experiencia a la dimensión vertical. IQON es toda una comunidad vertical de viviendas individuales; una extensión del parque La Carolina que ahora sube hasta la azotea”.

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

imagen cortesía de: BICUBIK©

La plaza de la planta baja de IQON de Bjarke Ingel incluye amplios espacios públicos, áreas comerciales y arte público para el público de Quito, Ecuador. Esta plaza central sirve como armadura conectiva entre el parque y el resto del vecindario. Al ingresar al vestíbulo, la paleta de materiales pasa del exterior crudo y minimalista a una estética más refinada; los adoquines de piedra de mármol complementan el mostrador de recepción de carpintería personalizada, y los puntos de contacto de hormigón hacen un guiño a la fachada. Los tonos verde esmeralda profundos se utilizan en las tejas del techo, los buzones y hasta el vestíbulo del ascensor, un área ubicada más allá de un portal de acero ennegrecido.

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

El amor por la naturaleza en todo Quito continúa desde sus espacios públicos debajo de cada vivienda dentro de IQON de Bjarke Ingels Group. Esto se logra a través de jardineras escultóricas que se integran en la arquitectura del edificio. Los maceteros se convierten en una escultura de hormigón única dentro de los apartamentos, creando espacio para la zona de raíces del árbol para la terraza del apartamento de arriba, mientras transforman la fachada del edificio en una celebración de la verde biodiversidad de Quito.

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre

Además, IQON sirve como una granja de árboles urbana: una vez que la vegetación plantada en las terrazas crece más que su maceta, se puede volver a plantar en parques de toda la ciudad. De esta forma, el edificio se convierte en parte de un ciclo verde: de parque a edificio, y de vuelta a parque.

imagen cortesía de: BICUBIK©

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

imagen cortesía de: Pablo Casals Aguirre©

INFORMACION DEL PROYECTO:

Título del proyecto: IQON

Arquitectura: Bjarke Ingels Group (BIG) | @big_builds

Ubicación: Quito, Ecuador

Cliente: Uribe Schwarzkopf | @uribeschwarzkopf

Fotografía: © BICUBIK, Pablo Casals Aguirre | @pablocasalsaguirre_works

Socio a cargo: Bjarke Ingels, Thomas Christoffersen

Diseñador del proyecto: Lorenz Krisai

Arquitectos del proyecto: Lucía Sánchez Ramírez, Stephanie Choi

Equipo: Amir Mikhaeil, Andrea Di Pompeo, Angel Barreno Gutiérrez, Benjamin Caldwell, Benjamin Novacinski, Chi Yin Kwok, Chengjie Li, Claire Djang, Clara Sanfeliu, Deborah Campbell, Douglass Alligood, Francesca Portesine, Jason Wu, Jan Leenknegt, Josiah Polonia, Juan David Ramirez, Ma Ning, Magdalena Narkiewicz, Margaret Tyrpa, Maria Sole Bravo, Peter Sepassi, Rune Wriedt, Sebastian Grogaard, Sijia Zhou, Stephanie Choi, Stephanie Mauer, Terrence Chew, Tracy Sodder, Ying Yi Cai, Ziad Shehab

Colaboradores: Ingenieros René Lagos y Fernando Romo (ingenieros estructurales locales), CCP Wind Tunnel (Consultor Eólico), Geo Estudios (Consultor Civil), Trialmech (Consultor Mecánico), Incoayam (Consultor de Plomería), Consel (Consultor Eléctrico), Estrusa (Consultor ).

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2022

NEOM... :I

NEOM; ¿Y la arquitectura para regímenes asesinos, corruptos y narcos?

El ambicioso desarrollo de la región saudí de Neom -dice el chorro de relaciones públicas- está “dedicado a la santidad de toda la vida en la Tierra”. Bueno, no del todo, resulta.

Recientemente se ha informado de que tres miembros de la tribu Huwaitat, detenidos por protestar contra el desalojo forzoso de sus familias y de otras familias para dejarles paso, han sido condenados a muerte. Otro manifestante de la tribu fue asesinado a tiros por las fuerzas de seguridad en 2020. Lo cual, para todas aquellas empresas y consultores que ayudan a planificar, diseñar, construir, comercializar y habilitar monumentos para tiranos, plantea una vieja pregunta con nueva fuerza: ¿ cuanto es demasiado? ¿Cualquiera que sea la ganancia que pueda surgir de la creación de edificios extraordinarios, cuándo dejarán de pesar las atrocidades que los acompañan?

Neom es posiblemente el proyecto más dramático en el mundo de la arquitectura y la construcción en este momento. Incluye The Line, una estructura planificada para albergar a 9 millones de personas, que se extenderá en línea recta durante 170 kilómetros , proyectándose en un extremo hacia el Mar Rojo, pero tendrá solo 200 metros de ancho. Estará flanqueado a ambos lados por muros de 500 metros de altura, revestidos de vidrio reflectivo en el exterior.

Imagine una torre, más alta que el Empire State Building, extruida desde El Alto hasta Oruro +/-, y luego duplicada al frente, y tendrá una idea de la escala.

Han habido algunas dudas sobre si The Line realmente sucedería, pero las imágenes de drones de la semana pasada mostraron que se ha comenzado a cavar sus cimientos.

Pero el hecho más destacado de Neom es que es claramente un instrumento de poder blando y duro manejado por un régimen excepcionalmente asesino y represivo. Cuenta con la ayuda y la complicidad de consultoras occidentales como Morphosis, la una vez moderna práctica californiana (que está diseñando The Line) y Zaha Hadid Architects, con sede en Londres (que trabaja en Trojena), ambas firmas ganadoras del mayor premio de arquitectura. , el pritzker. ¿Cómo podrían cuadrar lo que queda de su reputación progresista con un emprendimiento inmobiliario, en el que los que lo cuestionan son asesinados?

Las oficinas que hasta este año estaban felices de trabajar para los compinches de Putin ahora no se les acercan. El arquitecto británico Norman Foster (nuevamente ganador del Pritzker) se retiró del consejo asesor de Neom por el asesinato de Jamal Khashoggi en 2018, pero su práctica continúa trabajando en proyectos saudíes como el aeropuerto del Mar Rojo y un "centro experimental de vida marina". ”. Algunos arquitectos trabajarán en China, otros no.

Cuando Rusia invadió Ucrania, los intentos previos de “acercamientos” ahora son inútiles. Los aliados chinos relativamente ilustrados de OMA han perdido la discusión de que “…alguien tiene que hacerlo, mejor hacerlo bien…” allí y, a pesar de todas sus buenas intenciones, la sede de CCTV terminó como una herramienta de control dominante y excluyente. Debe existir la posibilidad de que Arabia Saudita algún día adquiera el estatus de paria internacional que ahora tiene Rusia (y ya no hay distinción moral entre ellos).

En cuyo caso, ¿por qué esperar? ¿Por qué no decidir ahora que el asesinato es un precio demasiado alto a pagar por la gloria arquitectónica?

Posiblemente, esta posición podría privar al mundo de algunos monumentos que los turistas del futuro podrían contemplar boquiabiertos, en cuyo caso deberíamos agradecer a los faraones y a los de su calaña por colocar previamente una buena provisión de tales cosas.

Un boicot a proyectos como Neom, más probablemente, retrasaría la creación de locuras que consumen energía, expulsan carbono y no tienen sentido práctico.

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Vía Rowan Moore @ The Guardian

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2022

2022 - 4 décadas de AutoCAD

El 2022 de celebran los 40 años de AutoCAD

Cuando piensas en la década de 1980, ¿qué te viene a la mente? Tal vez sea Madonna o Prince, Cheers o Dynasty, calentadores de piernas o denim lavado con ácido. Esos días pueden sentirse muy alejados del mundo de alta tecnología y vanguardia de la década de 2020, pero esa década lejana en realidad sentó las bases para gran parte de nuestras vidas hoy, particularmente cuando se trata de nuestro mundo laboral. Es notable pensar que Microsoft Word se lanzó en 1983, mientras que Photoshop se desarrolló por primera vez en 1987 antes de su primer lanzamiento oficial en 1990.

AutoCAD en 1982 - Cortesía: Autodesk

Sin embargo, para los arquitectos, posiblemente la pieza de software más importante se creó por primera vez en 1982: AutoCAD, un nuevo tipo de aplicación de dibujo 2D, se lanzó como una aplicación de escritorio que se ejecuta en microcomputadoras con controladores de gráficos internos. Desde entonces, su pantalla negra distintiva y sus polilíneas de colores han adornado las pantallas de millones de personas, liderando la transición del dibujo manual al diseño asistido por computadora para las industrias creativas de todo el mundo.

Si bien esta pieza icónica de software ha sido utilizada en todo el mundo desde entonces por diseñadores gráficos, ingenieros, gerentes de proyectos y más, quizás esté más asociada con la arquitectura, transformando el proceso de diseño de innumerables empresas en las últimas cuatro décadas. Si bien su lugar en los libros de historia de la práctica arquitectónica ha sido asegurado durante mucho tiempo, el software sigue siendo muy popular, a pesar de la aparición del software BIM 3D en los últimos años.

John Walker, fundadores, y equipo de programadores de AutoCAD, 1982

En esta entrevista con Dania El Hassan, directora de gestión de productos de AutoCAD, conoceremos cómo AutoCAD ha logrado mantener su relevancia en una industria en constante cambio, y conocer las próximas evoluciones planificadas para este software duradero.

Versión 1.1 en un “mini” Floppy disk de 5 1/2”

P.K.: ¡Felicitaciones por el hito de AutoCAD! ¿Cómo se estableció el software como un pilar en la industria para empezar y cómo ha evolucionado?

Dania El Hassan: Autodesk es el líder tecnológico en la industria AEC. Hemos liderado múltiples transformaciones digitales, comenzando con el lanzamiento de AutoCAD hace 40 años, que revolucionó la industria al introducir el diseño asistido por computadora. Desde entonces, hemos ofrecido herramientas que permiten a los clientes trabajar en la nube en la web y dispositivos móviles, y ahora estamos acelerando mejores resultados de proyectos al ayudar a nuestros clientes con automatizaciones y conocimientos que conducen a ganancias impactantes en eficiencia y sostenibilidad.

-¿Qué cree que ha contribuido a la relevancia continua de AutoCAD para la industria AEC a pesar del auge del software BIM y el modelado 3D en los últimos años?

-AutoCAD participa en muchas partes del ciclo de vida del proyecto, desde el diseño conceptual hasta la construcción y operación. Descubrimos que nuestros clientes que tienen más éxito en sus viajes BIM continúan usando AutoCAD junto con Autodesk Construction Cloud y Revit para lograr los objetivos de sus proyectos. Estamos comprometidos a ofrecer soluciones para la industria AEC que satisfagan las necesidades cambiantes de nuestros clientes, inspiradas en las solicitudes y comentarios de los clientes.

Herramientas de Raster Design - Cortesía: Autodesk

-¿Puede destacar algunas de las nuevas herramientas o funciones de la última edición de AutoCAD y explicar por qué se introdujeron?

-AutoCAD 2023 se diseñó teniendo en cuenta a nuestros clientes y la naturaleza cambiante de su trabajo. Nos enfocamos en automatizaciones y conocimientos potentes para impulsar una mayor eficiencia y competencia, al mismo tiempo que invertimos en nuevas tecnologías que impulsan flujos de trabajo colaborativos más modernos.

Herramientas de automatización - Cortesía: autodesk

Estas automatizaciones han sido parte de la experiencia principal de AutoCAD durante décadas, pero este año, con el poder del aprendizaje automático, hemos alcanzado nuevas alturas. El motor de importación de marcado se encuentra con los clientes donde están para que puedan traer comentarios y datos críticos de los colaboradores, desde DWG, PDF o incluso papel a su entorno de dibujo de AutoCAD. El motor Markup Assist ofrecerá sugerencias sobre el siguiente paso, lo que permitirá a los clientes incorporar esas marcas como objetos de AutoCAD y editarlas directamente, ayudándolos a centrar su atención en las decisiones de diseño que conducen a los mejores resultados posibles del proyecto.

Herramienta de edición de objetos raster -- Cortesía: autodesk.

My Insights Dashboard se introdujo por primera vez en AutoCAD 2022, que usa ML para extraer patrones de uso de las entradas de comandos para brindar consejos y sugerencias útiles para enseñar a nuestros clientes a trabajar de manera más eficiente. Con el lanzamiento de AutoCAD 2023, llevamos esto un paso más allá; presentamos Macro Advisor, que reconoce automáticamente las tareas repetitivas en el flujo de trabajo de un usuario para recomendar una macro relevante que podría ahorrar tiempo, no solo sugiriendo consejos útiles, sino que también habilitando potentes automatizaciones basadas en esa información.

AutoCAD - R12 para Apple Mackintosh

Los usuarios de AutoCAD y sus colaboradores han adoptado las eficiencias que brindan los flujos de trabajo completamente digitales, ya sea que trabajen en su escritorio, en un navegador web o en un dispositivo móvil. Con las aplicaciones web y móviles de AutoCAD, los usuarios tienen las capacidades web y móviles más completas de cualquier software CAD. Los clientes pueden usar los comandos básicos de AutoCAD y acceder a sus archivos en cualquier momento, en cualquier lugar y en cualquier dispositivo, y estas aplicaciones son cada vez más potentes y familiares para los usuarios expertos de AutoCAD.

El equipo de AutoCAD continúa invirtiendo en poderosas capacidades como estas que permitirán a nuestros clientes diseñar para obtener mejores resultados de manera más fácil y eficiente.

-¿Cómo vendería AutoCAD a los arquitectos en 2022, en comparación con 1992?

Entendemos que nuestros clientes confían en AutoCAD sus activos más valiosos: su propiedad intelectual y datos de proyectos para millones de miembros del equipo en todo el mundo. Estamos profundamente comprometidos a continuar ganándonos la confianza de nuestros clientes, escuchando y respondiendo a sus necesidades, brindando valor a lo largo del ciclo de vida del proyecto y preparándolos para el futuro. Con 40 años de innovación a nuestro lado, AutoCAD logra un rendimiento sin igual, y nuestro ecosistema de clientes, socios y desarrolladores continúa asegurando que AutoCAD se pueda personalizar de manera flexible para que sea un software eficiente por parte del profesional de AEC.

-¿Cómo ve la evolución de AutoCAD en el futuro?

-Estamos entusiasmados con lo que depara el futuro para AutoCAD y la industria AEC. Estamos observando de cerca las tendencias en ML/IA, movilidad, datos y, por supuesto, las transformaciones digitales que nuestros clientes están realizando en el lugar de trabajo cambiante.

Si bien no podríamos haber predicho muchos de los eventos de los últimos años, nos complace que la familia de productos AutoCAD continúe satisfaciendo las necesidades cambiantes de nuestros clientes a medida que aceleran sus transformaciones digitales. Tenemos algunas cosas más bajo la manga aquí, por supuesto, y estamos mirando hacia una plataforma de datos más conectada con automatizaciones y conocimientos para guiar a nuestros clientes hacia resultados completamente nuevos.

VIDEO:

Diseña y crea con AutoCAD

Vía: autodesk / architizr

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2022

Rene van Zuuk - Puente Prince Claus

El premio National Dutch Steel 2022 para Renee van Zuuk Arquitectos, con el puente Prince Claus en Dordrecht, Holanda.

Dado que el nuevo puente está a solo 5 metros sobre el agua y se desea un espacio libre vertical ilimitado para los barcos que pasan, se eligió un principio de diseño único: un puente basculante con una torre giratoria. El pilón se extiende 30 metros en el aire cuando se levanta y se sostiene verticalmente por un contrapeso.

Gracias al pilón giratorio, la apertura y el cierre del puente se convierten en un espectáculo. Se produce un movimiento armonioso, con el pilono inclinándose primero y retrayéndose después. En la apertura, el pilón se desplaza hacia el vano y luego se detiene junto con la parte móvil a 85 grados. Al cerrar, el pilono permanece cerca del vano durante los primeros 45 grados de movimiento, luego de lo cual se eleva majestuosamente. ​

La estructura portante del puente está situada en el centro del tablero, elemento que permite fabricar un puente de aspecto esbelto, a pesar de su gran luz. Dado que la viga principal está parcialmente por encima de la plataforma, se crea una clara separación entre peatones y ciclistas. La altura de la viga es de 45 centímetros sobre la cubierta, lo que le permite servir como zona de descanso.

En la ubicación del vano se separa la parte peatonal y ciclista. Entre las dos partes del puente se potencia la experiencia de cruzar, ya que se puede tener contacto visual directo con el agua. El espacio técnico y operativo del puente están ubicados entre las vigas principales y son completamente visibles una vez que se abre el puente. Se accede a las habitaciones por dos escaleras, que conducen al operador debajo de la viga principal. Dentro de la sala de control, el operador puede mirar a través de las vigas, a través de una claraboya de vidrio.

​ Las farolas se fijan en el pilono y focos blindados iluminan toda la cubierta. La construcción en sí está iluminada en el lado noroeste, lo que hace que el puente sea visible para el área circundante. Su color antracita está en consonancia con el color del resto de puentes de la ciudad.

Se diferencian el contrapeso, el péndulo y las vigas, con un color gris plateado. ​ La sutil rotación provoca una especie de fractura tectónica en el punto de la cresta, donde las cerchas casi se encuentran.

Las superficies desplazadas del techo proporcionan luz natural indirecta a través de la parte superior. La cubierta es de chapa perfilada de acero y revestida exteriormente con aluminio ondulado. Internamente, la chapa de acero está parcialmente cubierta con placas de yeso laminado. Los espacios de oficina, sanitarios, depósito y un pequeño espacio de biblioteca, se ubican en el volumen principal, en forma de dos cajas de madera autónomas.

Marcus Fairs 1967-2022

Estamos muy tristes de anunciar la muerte repentina e inesperada del fundador, director ejecutivo y editor en jefe de Dezeen, Marcus Fairs, a la edad de 54 años.

Marcus, quien fue un periodista brillante, un emprendedor visionario y un padre, esposo, colega y amigo muy querido, fue llevado al hospital el martes de la semana pasada después de enfermarse. Tras un breve período en cuidados intensivos, falleció el jueves 30 de junio de 2022.

Le sobreviven su esposa Rupinder Bhogal, quien también es directora en Dezeen, sus hijos Jordi y Millie Fairs, sus padres David Fairs y Georgina Ledward, y su hermana Elly Fairs.

Marcus estampó para siempre su marca en las industrias de la arquitectura y el diseño como un periodista pionero, creativo y ambicioso. No menos importante a través de Dezeen, que lanzó en su habitación de huéspedes en 2006 y creció hasta convertirse en la revista en línea de arquitectura, interiores y diseño más popular e influyente del mundo.

Al hacerlo, cambió el panorama del periodismo de diseño, acercando a la comunidad global de diseño y ayudando a inspirar y lanzar las carreras de innumerables arquitectos y diseñadores de todo el mundo.

El año pasado, Dezeen fue adquirida por la empresa de medios danesa JP/Politiken Media Group, un movimiento que ayudó a asegurar el futuro de la empresa que construyó Marcus. En el momento de la adquisición, escribió:

"Dezeen existe para brindarle a nuestra comunidad global una plataforma donde se compartan, celebren y debatan los mejores trabajos y los temas más importantes".

"Queremos que Dezeen pueda continuar haciendo esto en el futuro. Queremos que Dezeen sea para siempre un bastión del periodismo independiente, un campeón de la arquitectura y el diseño y una fuerza para el bien en el mundo".

Trágicamente, nuestro líder y mentor ya no está con nosotros. Pero todo el equipo de Dezeen está comprometido a continuar con lo que comenzó Marcus y garantizar que su legado supere la prueba del tiempo.

No publicaremos ninguna historia en Dezeen ni en nuestros canales de redes sociales durante las próximas 24 horas mientras tratamos de aceptar las noticias.

Estaremos de vuelta y funcionando de nuevo mañana. Mientras tanto, pedimos privacidad para la familia de Marcus y el personal de Dezeen mientras lamentamos esta tremenda pérdida.

Oscar Niemeyer - Chateau La Coste

Arq. Oscar Niemeyer - Pabellón en las bodegas Chateau La Coste, Aix-En Provence, Francia.

La obra Final de Oscar Niemeyer ha sido concluida.

Un pabellón diseñado por el difunto arquitecto brasileño Oscar Niemeyer se inauguró en el viñedo Château La Coste en el sur de Francia.

Diseñado en 2010, dos años antes de la muerte de Niemeyer a los 104 años, el pabellón blanco curvo se creó para sentarse cómodamente en el paisaje.

Ubicada en un viñedo en el Sur de Francia

Ubicado en el paisaje ondulado de Provenza y hogar de obras de artistas como Frank Gehry, Tracey Emin, Tadao Ando, ​​Louise Bourgeois, Jenny Holzer y Ai Weiwei,

Château La Coste ahora tiene un auditorio de 80 asientos que se encuentra dentro de un tambor circular de concreto blanco, unido como una bisagra a una galería con paredes de vidrio de 4,000 pies cuadrados en forma de lágrima.

Se asienta en un chapuzón en los viñedos que rodean el hotel en Château La Coste, y se llega a él por un camino que serpentea lánguidamente entre los viñedos, entrando al pabellón a través de un espejo de agua poco profundo.

Estos son motivos familiares de los edificios anteriores de Niemeyer. Usó agua en todas partes, desde Brasilia hasta su edificio de oficinas para Mondadori en las afueras de Milán.

La confrontación de un elemento sólido en forma de tambor, con un vidrio transparente de forma libre, es una paráfrasis del centro cultural de Le Havre que terminó en 1983.

Los espejos de agua contrastan los volúmenes blancos

"La ubicación es muy hermosa y un ambiente agradable y tranquilo", dijo Niemeyer mientras diseñaba el proyecto.

"El pabellón tenía que ser una construcción ligera adaptada al paisaje así como a la vegetación. La estructura se siente como en casa en este entorno y será un placer caminar por ella".

Rodeado de viñedos, el pabellón consta de dos elementos distintos: un espacio de galería con paredes de vidrio y un auditorio cilíndrico.

Se diseñó una piscina junto al pabellón para reflejar su forma.

"El pabellón, con su arquitectura orgánica y curva, refleja el estilo distintivo de Niemeyer y se asienta en perfecta armonía con los viñedos de los alrededores y las ondulantes colinas provenzales", según Château La Coste.

La galería está rodeada de viñedos

"La llamativa fachada de vidrio da la impresión de que el viñedo se despliega a través del edificio, mientras que la piscina poco profunda en la entrada captura maravillosamente la interacción de la luz y el reflejo".

Los interiores son caracteristicamente blancos casi en su totalidad

El espacio de la galería de 380 metros cuadrados está rodeado por todos lados por paredes de vidrio, con vistas a los viñedos circundantes.

Junto a él, el auditorio completamente cerrado de 140 metros cuadrados tiene asientos para 80 personas.

El arte plástico del autor presente en su obra

Niemeyer, ganador del Premio Pritzker de Arquitectura, es uno de los arquitectos más célebres del siglo XX. Es mejor conocido por su diseño de la capital de Brasil, Brasilia, así como la sede de las Naciones Unidas en Nueva York.

El pabellón es uno de los numerosos edificios diseñados por Niemeyer en Francia, donde vivió durante casi 20 años.

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2022

¿Qué es el GREENWASHING?

¿QUÉ ES EL GREENWASHING?

El greenwashing es una práctica de marketing verde destinada a crear una imagen ilusoria de responsabilidad ecológica.

Las ONG utilizan con frecuencia el término greenwashing para denunciar a las empresas que se preocupan por el medio ambiente cuando sus actividades son perjudiciales para éste.

Esto no significa que sus artículos o sus medios de producción sean realmente sostenibles, de hecho, el término se usa para designar al engaño que intentan hacer esas compañías.

¿Por qué nace el greenwashing?

Hay dos razones por las que esta práctica ha cobrado vida, primero está que la sociedad se ha vuelto mucho más consciente de efectos como el calentamiento global, y en consecuencia ha adoptado hábitos para evitar la contaminación en todas sus formas.

Lo segundo, y está muy vinculado con la razón anterior, es que los productos en cuyo proceso sí se adoptaron técnicas que favorecen al medio ambiente, tienen una mejor acogida por el público.

Arquitectura “verde” ?

¿Cómo se logra el greenwashing?

Son muchas las maniobras que utilizan las compañías para que sus productos sean ecológicos al menos de forma, porque de fondo son en gran medida contaminantes y tóxicos. Algunos de los engaños con los que tratan de encubrir la información verdadera sobre sus procesos de manufactura y sus productos finales son:

Mienten en la promoción del bien. Indican en las etiquetas que son 100% ecológicos, o que se utilizó material reciclable para su fabricación, pero esa información contrasta con la realidad.

Se identifican como responsables con el medio ambiente dando a conocer un dato “amigable”. No obstante, este resulta insignificante con respecto a otros que terminan siendo muy dañinos.

Afirman que cuentan con alguna certificación que los ratifica como ecológicos, pero esta nunca se hace pública.

Se describen con un dato genérico, como afirmar que su mercancía es totalmente orgánica. Este dato es muy ambiguo porque no expresa porcentajes reales extraídos del proceso de realización del producto o del mismo producto final.

Los hábitos verdes no son nada nuevo para nuestra sociedad, y quizás las estafas ecológicas tampoco lo sean, por esa razón es importante que ante una publicidad sospechosa se pregunte qué hay detrás de las vistosas etiquetas que anuncian innovadoras técnicas de producción sostenible o artículos de origen natural. 👁 🧠

Torres “verdes” ?

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2022

Adios Nagakin :(

Torre Nagakin - Kisho Kurokawa,

Tokyo, Japón - 1972

La Torre de cápsulas Nakagin —construida en 1972—, no fue concebida como un bloque de apartamentos, sino como “habitaciones de una sola recámara para hombres de negocios que vivían en los suburbios”: un alojamiento para la semana. Localizada en el distrito Ginza de Tokio, la Torre Nakagin está formada por dos elementos estructurales de acero y concreto armado, uno de 11 y otro de 13 pisos de altura, alojan elevadores, escaleras y tuberías para conexiones eléctricas e hidráulico-sanitarias. De esos elementos cuelgan 140 cápsulas con cuatro variantes. Kurokawa explicó varias veces que lo importante del Metabolismo en arquitectura era entenderlo como sistemas de ciclos: “En la Torre de cápsulas Nakagin, todo el sistema de tuberías está expuesto en el corazón del edificio para que, junto con el equipo mecánico, puedan remplazarse en el ciclo corto, al reciclar sistemas, para que la estructura entera pueda vivir más tiempo.” Lo cierto es que, dentro de un sistema de consumo y desecho tan rápidos como los avances tecnológicos, a la larga resulta menos costoso, como con los automóviles, remplazar la unidad entera que parte por parte. Y como la cantidad total de cápsulas no amerita una producción en serie, la Torre Nakagin a terminado por padecer un rápido abandono.

En una nota aparecida en el sitio de la revista Surface en 2021, Ryan Waddoups escribía:

El destino de la torre parece sellado. A pesar de los esfuerzos por encontrar un comprador que financiara su restauración, los dueños del edificio han decidido desmantelar la torre para dejar lugar a un nuevo desarrollo. “El envejecimiento ha sido un tema mayor en los últimos años,” dice Tatsuyuki Maeda, propietario de 15 cápsulas. “Buscaba un desarrollador que mantuviera el edificio de pie mientras lo reparaba. Pensamos que es difícil para la asociación que lo administra tomar medidas contra su envejecimiento.”

Sin embargo, el 5 de abril de 2022 en CNN se ha comunicado la decisión de ser demolida este mes. La decisión pone fin a años de incertidumbre en torno a la llamativa estructura, que en su día ofrecía una visión futurista de la vida urbana, pero que en los últimos tiempos se había deteriorado.

El diseñador del edificio, Kisho Kurokawa, uno de los exponentes más jóvenes del Metabolismo, había previsto originalmente que las cápsulas de la torre de Tokio se sustituyeran cada 25 años. Sin embargo, las cápsulas se han ido deteriorando y envejeciendo y muchos de los departamentos están vacíos, se utilizan como almacén y espacio de oficina, o se alquilan a corto plazo a entusiastas de la arquitectura.

En 2007, la comunidad de propietarios votó la venta de la torre a un promotor inmobiliario que pretendía demolerla y sustituirla. Pero la empresa se declaró en bancarrota durante la recesión de 2008, y el destino de la torre quedó en el limbo por años.

Los propietarios volvieron a aceptar la venta en 2021, y el edificio fue adquirido por un grupo de empresas inmobiliarias que operan bajo el nombre de Capusule Tower Building (CTB).

Los conservacionistas habían expresado durante mucho tiempo la esperanza de que el edificio pudiera salvarse, incluido Kurokawa, antes de su muerte en 2007. Las peticiones y campañas han pedido que se proteja la estructura como ejemplo del patrimonio arquitectónico de Japón. La organización que está detrás de la campaña de conservación, el Proyecto de Preservación y Regeneración del Edificio de la Nagakin Capsule Tower, pidió a las autoridades de la ciudad que intervinieran, e incluso se planteó solicitar el estatus de protección a la Unesco. Pero ninguno de los dos enfoques tuvo éxito, según el miembro del proyecto Tatsuyuki Maeda, que adquirió 15 de las cápsulas entre 2010 y la venta del edificio el año pasado.

Maeda dijo que los esfuerzos para recaudar los 2.000 a 3.000 millones de yenes -entre US$ 16 y US$ 24 millones- necesarios para renovar la torre y eliminar el asbesto se vieron obstaculizados por la pandemia de covid-19. Desde entonces, el proyecto se ha centrado en la recaudación de fondos para renovar y reutilizar las unidades individuales con la esperanza de que las instituciones puedan adquirir cápsulas «desconectadas».

Maeda dijo que el proyecto ha recibido unas 80 solicitudes, y que el Centro Pompidou de París es uno de los museos que ha expresado su interés en obtener una. El Museo de Arte Moderno de Saitama, Japón, ya cuenta con una unidad en su colección.

El estudio de arquitectura de Kurokawa, que continuó operando después de su muerte, anunció que tiene la intención de preservar el edificio en un «espacio digital».

via - arkine

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2022

Zaha Hadid - Sharjah

Zaha Hadid Architects completa la sede de Beeah con forma de duna en Sharjah

Zaha Hadid Architects se basó en las señales visuales de las ondulantes dunas del desierto al crear la sede sinuosa de la empresa de gestión ambiental Beeah Group en Sharjah, Emiratos Árabes Unidos.

Diseñado por la fallecida arquitecta Zaha Hadid, el tan esperado cuartel general de Beeah toma la forma de una serie de "dunas interconectadas" que hacen eco de los alrededores del desierto de Al Sajaa.

El edificio de 9.000 metros cuadrados sirve como centro administrativo y de gestión para Beeah Group. Según Zaha Hadid Architects, se centra en la sostenibilidad para reflejar el trabajo de la empresa.

Está alimentado por una matriz solar y cumple con los estándares LEED Platinum, la certificación más alta otorgada por el programa de certificación de edificios ecológicos, que establece "un nuevo punto de referencia para los lugares de trabajo del futuro".

"La sede es el último hito para Beeah Group, ya que continúa siendo pionero en innovaciones para Sharjah y en todo el mundo, estableciendo una base de operaciones para que el grupo se diversifique en nuevas industrias críticas para el futuro", dijo Zaha Hadid Architects.

"Con su nueva sede, Beeah demuestra cómo la tecnología puede escalar el impacto sostenible y, en última instancia, servir como modelo para las ciudades inteligentes y sostenibles del mañana".

Mientras se hace eco de las dunas de arena circundantes, la forma de la sede de Beeah también está diseñada y orientada para resistir las condiciones climáticas extremas experimentadas en el sitio.

El edificio está alimentado por una matriz solar conectada a paquetes de baterías Tesla, que según el estudio satisface la demanda de energía del edificio durante el día y la noche.

El acristalamiento se minimiza en toda la oficina para evitar la exposición al duro sol del desierto, mientras que los paneles de hormigón reforzado con fibra de vidrio en el exterior ayudan a regular las temperaturas internas.

También hay instalaciones de tratamiento de agua en el sitio que filtran las aguas residuales para minimizar el consumo.

En el interior, el edificio está dividido en dos alas. Uno alberga los departamentos públicos y de gestión del Beeah Group, mientras que el otro contiene la zona administrativa.

Estas áreas están conectadas por un patio central, descrito por Zaha Hadid Architects como un "oasis dentro del edificio" que ayuda a proporcionar ventilación natural.

View fullsize

Lo más destacado del interior es el vestíbulo abovedado de 15 metros de altura del edificio, que ha sido diseñado para mejorar la ventilación natural y permitir que se filtre la luz natural.

La sede también cuenta con un centro de visitantes, un auditorio y salas de reuniones inteligentes diseñadas para facilitar la colaboración con trabajadores remotos y de oficina.

Todos los espacios internos están posicionados para garantizar una gran cantidad de luz natural y vistas al exterior sin necesidad de grandes extensiones de vidrio.

Se ha incorporado un sistema inteligente de gestión de edificios para ajustar automáticamente la iluminación y la temperatura en función de la ocupación y la hora del día.

Zaha Hadid Architects fue establecida en 1980 por Hadid y ahora está dirigida por Patrik Schumacher. Ganó el concurso para crear la sede de Beeah en 2013, que diseñó en colaboración con los ingenieros y consultores Atelier Ten y Buro Happold.

Otros proyectos recientemente completados por el estudio incluyen un parque urbano de varios niveles en Nicosia y el Museo One Thousand en Miami. Este año también se debe completar un estadio de fútbol palaciego en China, que se presenta en nuestro resumen de 12 proyectos de arquitectura que esperamos en 2022.

La fotografía es de Hufton+Crow.

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V I D E O:

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Creditos:

Arquitecto: Zaha Hadid Arquitectos

Diseño: Zaha Hadid y Patrik Schumacher

Directora del proyecto: Sara Sheikh Akbari

Director comercial: Charles Walker

Equipo de proyecto: Gerry Cruz, Drew Merkle, John Simpson, Matthew Le Grice, Maria Chaparro, Frenji Koshy, Leo Alves, Erwan Gallou, Vivian Pashiali, Alia Zayani, Alessandra Lazzoni, Dennis Brezina, Eider Fernandez-Eibar, Rasha Al-shami, Marco Pavoni, Ben Kikkawa, Maria Vergopoulou-Efstathiou, Haohao Chen, Thanh Dao

Director del proyecto de la Fase 1: Tariq Khayyat

Arquitecto del proyecto de la fase 1: Kutbuddin Nadiadi

Equipo de diseño: Gerry Cruz, Drew Merkle, Yuxi Fu, Xiaosheng Li, Edward Luckmann, Eleni Mente, Kwanphil Cho, Mu Ren, Harry Ibbs, Mostafa El Sayed, Suryansh Chandra, Thomas Jensen, Alexandra Fisher, Spyridon Kaprinis, John Randle, Bechara Malkoun, Reda Kessanti, Carolina López-Blanco, Takehiko Iseki, Matthew Johnston, Sabrina Sayed, Zohra Rougab, Carl Khourey, Anas Younes, Lauren Barclay, Mubarak Al Fahim

Equipo de competencia: Xiaosheng Li, Gerry Cruz, Yuxi Fu, Drew Merkle, Lauren Barclay, Mostafa El Sayed, Alia Zayani, Mubarak Al Fahim

Consultor de estructura, fachada, acústica, transporte y civil: Buro Happold

MEP, consultor de iluminación, protección contra incendios y seguridad de vida: Atelier Ten

Consultor de sostenibilidad (etapa de diseño): Atelier Ten

Consultor de sustentabilidad (etapa de construcción): Buro Happold

Consultor de costos: Gardiner & Theobald

Gerente de proyecto: Matthews suroeste

Paisaje: Francisco Paisaje

Arquitecto local: Bin Dalmouk, DSA Architects International

Contratista principal: Al Futtaim Construction

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2022

Gehry & Libeskind para Hennessy

Los renombrados Arquitectos Frank O. Gehry y Daniel Libeskind diseñan las botellas aniversario para la marca de Cognac Hennessy

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Frank O. Gehry

El arquitecto ganador del premio Pritzker, Frank Gehry, ha creado una botella de edición limitada para el 150 aniversario del coñac X.O de la marca de bebidas Hennessy, que espera que sea diferente a "cualquier cosa que la gente haya visto antes".

La tapa hecha a mano, que encierra la forma distintiva de la botella de Hennessy X.O, fue forjada en bronce bañado en oro de 24 quilates para evocar la sensación de beber coñac y el proceso mediante el cual se elabora.

"Quería personificar la calidad artesanal de Hennessy XO con una botella hecha a mano, una que se sienta bien al sostenerla, capte la luz maravillosamente y que exprese la mano de los artesanos que ayudaron a hacer el coñac", — Gehry.

“Si miras las esculturas griegas como el Auriga en Delfos o el boxeador, son capaces de transmitir sentimientos a través de miles de años con materiales inertes”

"Eso estaba en mi mente cuando estábamos haciendo esta botella. Quería hacer algo que transmitiera sentimiento".

Para la forma arrugada de la botella, Gehry se fijó en el agua del río Charente, que corre junto a la destilería Hennessy en la ciudad de Cognac, al oeste de Francia.

Quería que la forma recordara la luz que se refleja en el río, la artesanía que se dedica a crear el coñac y la historia de la bebida.

"La botella de Hennessy existente es icónica, por lo que queríamos que el nuevo diseño respetara la historia y la identidad de la marca que nos precedió" — Gehry.

"Una gran parte de la historia de Hennessy es la participación de la familia y los artesanos que han comprometido sus vidas para hacer de este el mejor producto del mercado. Sientes esto cuando bebes Hennessy"

“Con este diseño, quería que la gente también sintiera la mano humana de los artesanos que hicieron la botella. Quería ser respetuoso con la historia, pero diferente”.

Gehry, mejor conocido por diseñar grandes edificios públicos como el Museo Guggenheim en Bilbao, el Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles y la Fondation Louis Vuitton en París, dijo que disfrutó trabajar en una escala mucho más pequeña para crear la botella.

"He sido muy afortunado de haber colaborado con excelentes artesanos en estos proyectos de menor escala a lo largo de los años, incluido este proyecto" — Gehry.

"Hay una intimidad en la escala que no siempre se puede explorar en edificios más grandes. Estos proyectos más pequeños también tienen cronogramas más cortos, por lo que es bueno diseñar algo y hacerlo realidad rápidamente".

Aunque muchos de los edificios de Gehry, incluido el Walt Disney Concert Hall revestido de acero inoxidable, tienen una apariencia elegante, esta no era la estética que él consideraba apropiada para la botella.

"El Walt Disney Concert Hall tiene esa personalidad por una razón", explicó Gehry. “Es un edificio cívico y, por lo tanto, necesitaba un cierto nivel de iconicidad en la ciudad”

"Cada edificio es diferente, como lo es cada proyecto de diseño. Son el resultado del tiempo, el lugar, el cliente, el presupuesto y el programa. Este proyecto es un reflejo de mi relación con Hennessy y las capacidades de muchas manos expertas que ayudaron a convertirlo en un realidad."

Cuando se le preguntó a qué edificios se parecía más la botella, dijo: "Eso es para que otros comenten. Espero que no se parezca a nada que la gente haya visto antes".

La destilería Hennessy se fundó en 1765, con Hennessy X.O (XO significa extra viejo) producido por primera vez como bebida para la familia y los amigos del propietario en 1870.

Hennessy ahora forma parte de la marca de lujo Louis Vuitton Moët-Hennessy, que también posee la marca de champán Moët y la marca de moda Louis Vuitton.

Gehry trabajó anteriormente para el conglomerado que diseñó la Fondation Louis Vuitton en París y cree que hay muchas similitudes entre construir edificios y hacer coñac.

"Tanto la arquitectura como el diseño de productos requieren dedicación para perfeccionar su oficio", dijo Gehry. "Visité Cognac y conocí al equipo a cargo de hacer el coñac".

"El señor que conocí era de la familia que había estado creando el líquido durante más de 100 años. Habló muy bien sobre su proceso, que requiere mucha investigación, mucha dedicación, mucho trabajo y confianza en los sentimientos. e intuición"

"Estos son los mismos rasgos que se utilizan para hacer arquitectura, por lo que no se trata realmente de aplicar una estética, sino de dejar que el proceso se desarrolle para que el cliente pueda participar en el proceso. Al final del día, tiene que satisfacer sus esperanzas, sueños y realidades".

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DANIEL LIBESKIND

Botella de coñac de cristal de Baccarat

El arquitecto Daniel Libeskind ha creado una botella angular para el coñac Richard Hennessy, que lleva el nombre del fundador de la marca de bebidas Hennessy.

La botella de cristal de Baccarat tiene una forma externa angular que rodea una forma interna curva que recuerda a una botella de coñac tradicional. El diseño fue creado para evocar un sentido de la historia y el futuro.

"Me inspira la interacción de la historia y el futuro: ocurre una magia particular cuando los dos se unen", — Libeskind.

Botella de coñac Richard Hennessy de Daniel Libeskind

“La inspiración para la licorera provino del poderoso emblema de Richard Hennessy y símbolo del futuro de la marca”, continuó. "Quería honrar la historia mientras la elevaba".

Su forma interior es la forma de una botella de coñac tradicional.

Al combinar las formas curvas y angulosas, Libeskind pretendía expresar la tradición de Hennessy, que fue fundada por Richard Hennessy en 1765, y dar "una nueva energía y complejidad al líquido del interior" de la botella.

"Empecé con la forma clásica de botella de Hennessy, pero quería traspasar los límites del diseño", explicó. "También queríamos crear algo fuerte para encarnar el legado de Richard Hennessy".

"La yuxtaposición de las curvas orgánicas con la audaz forma geométrica de la silueta le da una nueva energía y complejidad al líquido interior".

Libeskind diseñó la botella para representar la tradición y el futuro de la marca.

Libeskind es uno de los arquitectos más conocidos del mundo y ha diseñado edificios en todo el mundo, incluido el Museo Judío de Berlín y el plan maestro para el sitio del World Trade Center de Nueva York.

Comparó el proceso de diseño de la botella con el de diseñar un edificio.

Copas y botella de coñac

La botella estaba hecha de cristal de Baccarat.

"El proceso de diseño comenzó hace varios años con el objetivo común de crear algo espectacular y raro", —

"Es bastante orgánico, pero siempre comienza con una chispa de inspiración, una idea, un lugar o incluso un sentido, ¡y luego se expande en una llama de posibilidades! El decantador se desarrolló durante muchos años, como un gran plano de la ciudad o una catedral.

Libeskind es el último arquitecto en diseñar una botella para Hennessy. Recientemente, el arquitecto ganador del Premio Pritzker, Frank Gehry, creó una botella de edición limitada para el 150 aniversario del coñac X.O de Hennessy.

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2022

Frida Escobedo - MMNY

La Arquitecta Mexicana Frida Escobedo diseñará la nueva ala del Museo Metropolitano de Nueva York y ya no David Chipperfield.

Con ese subtítulo dio la noticia hoy el New York Times la decisión tomada de que sea la arquitecta mexicana quien diseñe la nueva ala del museo, con un presupuesto para su construcción de 500 millones de dólares. En marzo del 2015, tanto el Museo Metropolitano como la oficina de David Chipperfield habían anunciado el triunfo de éste en un concurso organizado por el Patronato del Met para diseñar el ala sureste del museo. Dos años después, el mismo NYT publicó una nota explicando que el Met había pospuesto la construcción de la nueva ala, entonces presupuestada en 600 millones, que se esperaba estuviera lista para la celebración de los 150 años del museo en el 2020.

Tras haber recibido una importante donación de parte del empresario de origen chino Oscar L. Tang y su esposa, la arqueóloga e historiadora del arte Agnes Hsu-Tang, el Met retomó los planes de construir un ala nueva, considerando para esto a cuatro oficinas de arquitectura: Ensamble Studio, Lacaton & Vassal, SO—IL y de nuevo a David Chipperfield, por lo que la decisión por Frida Escobedo resultó sorpresiva. La nota del NYT agrega que, en entrevista telefónica, Max Hollein, director del Met desde el 2018, dijo de Frida Escobedo: “Es una voz fuerte en el discurso arquitectónico que realiza edificios contemporáneos anclados en el canon moderno

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2022

Premios J.Drew y A.L.Huxtable 2022 para: F.Moussavi y M.Hatoum

Los Premios Jane Drew y Ada Louise Huxtable 2022 para: Las Arquitectas Farshid Moussavi y Mona Hatoum

El arquitecto Farshid Moussavi y la artista Mona Hatoum han sido nombrados los ganadores de los premios Jane Drew y Ada Louise Huxtable de este año.

La arquitecta, educadora y escritora británico-iraní Farshid Moussavi ha sido galardonada con el Premio Jane Drew de Arquitectura 2022,

un premio que reconoce a un diseñador de arquitectura que, a través de su trabajo y compromiso con la excelencia en el diseño, ha elevado el perfil de las mujeres en la arquitectura.

Moussavi fue cofundador de Foreign Office Architects, famoso por la terminal de ferry internacional de Yokohama que se inauguró en 2002, y fundó Farshid Moussavi Architecture (FMA) en 2011.

Las obras de la práctica incluyen el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland, así como dos proyectos de vivienda. en Francia, Îlot 19 en Nanterre desde 2016 y La Folie Divine en Montpellier un año después,

y actualmente está trabajando en el Ismaili Center Houston, que se completará en 2024.

“Es un gran honor para mí recibir el Premio Jane Drew, que ha hecho tanto para llamar la atención sobre los logros de las mujeres en el campo de la arquitectura”, dijo Moussavi.

Hay relativamente pocos modelos a seguir para las mujeres en la práctica arquitectónica y creo que esto les da la libertad de ser más creativas para responder a los desafíos urgentes que enfrentan los arquitectos hoy en día, ya sea que estos desafíos estén encontrando usos nuevos y más generosos para los edificios, así como nuevos lenguajes en los que involucrar a un público más amplio y diverso, o abordar el cambio climático para proteger a las generaciones futuras.'

La falta de un estilo prescriptivo es la fuerza de Moussavi. Ambivalente en cuanto a los modelos a seguir,

pero interesada tanto en el género y la diferencia como en el detalle y la micropolítica, Moussavi está resueltamente orientada hacia el futuro y seguirá sorprendiéndonos.

La artista británico-palestina Mona Hatoum es la ganadora del Premio Ada Louise Huxtable por Contribución a la Arquitectura 2022,

que reconoce a las personas que trabajan en la industria arquitectónica más amplia que han hecho una contribución significativa a la arquitectura y el entorno construido.

Nacido en Beirut y residente en Londres desde 1975, el trabajo de Hatoum suele tener una escala arquitectónica y habita habitaciones enteras:

por ejemplo, las estructuras en forma de jaula de Light Sentence de 1992, la instalación de un telar en una habitación salpicada de bolas de pelo in Recollection de 1995,

y las literas metálicas de Quarters de 1996. La performance Roadworks de 1985, era de escala urbana, con Hatoum caminando por las calles de Brixton con un par de botas Dr Marten atadas a sus pies.

En un mundo fracturado por el conflicto y el exilio, la obra de Mona Hatoum solo gana mayor relevancia e importancia. Convirtiendo objetos familiares en experiencias extrañas,

hace visible la fragilidad humana y la violencia espacial. Las exposiciones recientes incluyen importantes retrospectivas en el Centro Georges Pompidou, París, en 2015,

la Tate Modern de Londres en 2016 y el Museo de Arte Contemporáneo Kiasma, Helsinki en 2016. Actualmente, el trabajo de Hatoum se exhibe en dos ubicaciones en Estocolmo:

Museo Magasin III de Arte Contemporáneo Arte en Frihamnen y Accelerator en el campus de la Universidad de Estocolmo.

A finales de este año, Hatoum tendrá tres exposiciones individuales que se inaugurarán simultáneamente en Berlín: Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), Museo Georg Kolbe y KINDL – Centro de Arte Contemporáneo.

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2022

Premio Moira Gemill 2022

El premio Moira Gemill 2022 a la excelencia en el ejercicio profesional de profesionales menores de 45 años tiene 8 finalistas, todas ellas mujeres.

Premio Moira Gemill 2022

Las listas de finalistas de este año para los premios Moira Gemmill y MJ Long reúnen a arquitectos menores de 45 años de todo el mundo y promueven la excelencia en el ejercicio profesional en el Reino Unido.

La lista de finalistas del Premio Moira Gemmill reconoce un futuro brillante para los diseñadores menores de 45 años que están liderando sus propias prácticas. Este año, la lista de finalistas incluye arquitectos con sede en Portugal, EE. UU., India y Sudáfrica, que trabajan a nivel local e internacional en obras de construcción, investigación, exposiciones y educación.

La lista de finalistas del Premio Moira Gemmill comprende:

Ana Baptista, cofundadora del Colectivo Mel, con sede en Portugal

Rania Ghosn, socia fundadora de Design Earth, con sede en EE. UU.

Swati Janu, fundadora de Social Design Collaborative, con sede en India

Sumayya Vally, directora de Counterspace, con sede en Sudáfrica

La lista de finalistas de este año muestra que no hay un solo tipo de arquitecto, sino innumerables formas de practicar: descubrir e interpretar capas de la historia, imaginar proyectos especulativos para abordar las preocupaciones ambientales, defender los derechos de los grupos marginados, construir instalaciones, hacer mapas y animaciones. , evidenciando la presencia de residuos mineros tóxicos, preservando los lazos sociales. "Alejándose de la práctica convencional, estos arquitectos abren un espacio para el diálogo y exponen nuevos lugares de acción".

El Premio MJ Long a la excelencia en la práctica 2022, nombrado en memoria del arquitecto inspirador MJ Long, celebra a los arquitectos que se destacan en la práctica. En reconocimiento a la sede de Londres de los premios, el premio considera a los arquitectos y se juzga en un cuerpo de trabajo general con énfasis en un proyecto completado recientemente.

La lista de finalistas del premio MJ Long comprende:

Sophie Mitchell de Nissen Richards Studio, para Sutton Hoo, Suffolk

Fiona Monkman de Islington Architects, para Centurion Close, Londres

Hannah Stringer de AOC, para los Archivos Nacionales, Londres

Anne Wynne de DSDHA, para el Teatro Nacional de la Juventud, Londres

El Premio MJ Long a la Excelencia en la Práctica está ahora en su tercer año. Los proyectos en la lista de finalistas de este año incluyen viviendas municipales de alta calidad, la remodelación sensible de un archivo brutalista, una reelaboración bellamente juzgada de la experiencia del visitante en un sitio arqueológico y la reorganización ingeniosa y la nueva cara pública de un teatro juvenil. "Los proyectos preseleccionados son innovadores e inspiradores", "y realmente sientan un precedente para el futuro de nuestra industria".

Los premios Moira Gemmill y MJ Long serán juzgados por un jurado que incluye:

Eva Jiřičná, arquitecta

Hanif Kara, cofundador de AKT II

Meneesha Kellay, curadora de programas contemporáneos, V&A

Rozana Montiel, arquitecta y anterior ganadora del premio Moira Gemmill

Smith Mordak, Director de Sostenibilidad y Física de Buro Happold

Catherine Slessor, editora y crítica

Sal Wilson, consultor de sostenibilidad

Ellis Woodman, director de la Fundación de Arquitectura

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Estos premios elevan el perfil de las mujeres y las personas no binarias en la arquitectura en todo el mundo, inspirando el cambio como una voz unida de este llamado mundial por el respeto, la diversidad y la igualdad.

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Los premios se iniciaron en 2012 para celebrar el trabajo ejemplar de todo tipo: desde el diseño de los edificios nuevos más importantes del mundo hasta contribuciones a una cultura arquitectónica más amplia, desde vidas de logros hasta el trabajo de mujeres con un futuro brillante por delante.

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2022

Zaha Vertical

En Zaha Hadid Architects, la difunta fundadora de la oficina es recordada como una diseñadora pionera que transformó los límites del diseño arquitectónico.

Para aquellos curiosos sobre el proceso de investigación detrás de sus diseños dinámicos, fluidos y aparentemente ilimitados, una nueva exposición explora una variedad de herramientas de documentación de proyectos, desde dibujos y diagramas técnicos, visualizaciones generadas por computadora y modelos arquitectónicos hasta proyecciones de video y experiencias de realidad virtual.

¿La mejor parte? La exposición insignia "Zaha Hadid Architects: Vertical Urbanism", que se exhibe en la Galería del Instituto de Diseño de Hong Kong (HKDI) desde ahora hasta el 3 de abril de 2022, también será accesible como una exposición virtual para los entusiastas de la arquitectura de todo el mundo.

Presentado en asociación con el Instituto de Educación Vocacional (IVE) de Hong Kong, invita a los visitantes digitales a explorar los proyectos formativos de ZHA y considerar la respuesta de diseño de ZHA al espacio público en condiciones urbanas densas y su impulso continuo para establecer un plano de tierra continuo y activo.

La exposición digital adopta un enfoque triple para explorar el tema de la innovación y el espíritu de investigación que sustenta la práctica: primero, a través de una mirada de cerca al enfoque innovador del estudio para los diseños de torres del siglo XXI ("arquitectura urbana vertical"); a continuación, detallando la investigación en curso del grupo de investigación de Cómputo y Diseño de ZHA (ZHA CODE); y, finalmente, mostrando los proyectos locales fundamentales de ZHA, como el Hotel Morpheus en City of Dreams Macau, así como la torre The Henderson que se completará en el centro de Hong Kong.

El formato en línea no impide un examen detallado: los visitantes en línea pueden ampliar los detalles visuales de los modelos arquitectónicos y experimentar elementos multimedia desde la comodidad de sus hogares. Desde aquí, los visitantes pueden obtener más información sobre las colaboraciones de ZHA CODE con las principales instituciones científicas del mundo en su búsqueda por integrar la robótica, la inteligencia artificial y la fabricación digital con los procesos de diseño.

También se destaca el papel de las cadenas de suministro locales, los materiales, la artesanía y la fabricación; un recordatorio refrescante de la importancia necesaria de la experiencia logística en la ejecución de un diseño galardonado. Asimismo, también se considera la relación entre las nuevas tecnologías de la construcción y la sostenibilidad. Visite la exposición en línea hoy:

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2022

Entrevista: Arq. Tim Alatorre

Entrevista al Arq. Tim Alatorre, Diseñador Senior de la Estación Espacial Von Braun

d.b: ¿Cuáles son los principios básicos detrás del diseño de la estación espacial Von Braun?

Tim Alatorre: Como especie, hemos tenido una presencia transitoria y limitada en el espacio por parte de un pequeño número de especialistas durante más de 58 años. Queremos cambiar eso y abrir el espacio a cualquiera que desee trabajar o vivir en el espacio. En el centro de este proyecto está el objetivo de formar una industria de la construcción espacial para acelerar la habitación permanente del espacio y en todo el sistema solar. Con ese fin, el equipo detrás de The Gateway Foundation primero incorporó una empresa de construcción espacial llamada Orbital Assembly.

El principal objetivo de la Estación Von Braun es ser la primera estación espacial en tener gravedad artificial. La reciente estadía de un año del astronauta Scott Kelly en la Estación Espacial Internacional dejó en claro que la habitación a largo plazo del espacio en microgravedad no es sostenible. El sueño de la Fundación Gateway es crear una cultura de naves estelares, donde haya una comunidad permanente de personas que viajen por el espacio y que vivan y trabajen en la órbita de la Tierra y más allá.

La estación está diseñada para abordar los desafíos médicos de la microgravedad al simular la gravedad lunar y brindar todas las comodidades de la vida, incluidas áreas recreativas, restaurantes, bares y procesamiento de agua, aire y desechos.

d.b: ¿Cuál es la principal inspiración para su estación espacial?

Tim Alatorre: La principal inspiración para el diseño de la estación espacial son los conceptos de estación desarrollados por Wernher von Braun en la década de 1950. Imaginó una rueda giratoria con un diámetro de 76 metros con tres cubiertas y girando a tres rpm y una tripulación de 80.

La Fundación Gateway sometió el nombre de la estación a la votación de sus miembros a principios de este año y fue abrumadoramente votada para llevar el nombre de Von Braun. Nuestra estación también tiene tres cubiertas, pero un diámetro de 190 metros, lo que permite una velocidad de rotación más lenta que, según las investigaciones, es importante para la comodidad humana. También se planea que nuestra nueva estación tenga una población total de 350 a 450 personas, incluidos más de 100 tripulantes.

d.b: ¿Cómo se basa el diseño en el diseño de la ISS?

Tim Alatorre: Nada de lo que proponemos sería posible sin el desarrollo y la investigación realizados para la ISS. Estamos utilizando la tecnología actual en todos los subsistemas para minimizar los impactos tanto en el costo como en el cronograma de desarrollo.

La tecnología de blindaje, los diseños de módulos, los sistemas de gestión de energía, los sistemas de procesamiento de agua y aire, así como la arquitectura general están fuertemente influenciados por la ISS.

d.b: ¿Cuáles son las principales diferencias?

Tim Alatorre: Una gran diferencia entre la estación Von Braun y la ISS es la forma en que se construirá. La ISS se montó en órbita utilizando el trabajo manual de los astronautas que realizaban arriesgados paseos espaciales extravehiculares. Aunque algunos componentes grandes de la Estación Von Braun, como los módulos habitacionales, se fabricarán en la Tierra, la estructura principal se fabricará principalmente en el espacio mediante sistemas automatizados y semiautónomos.

Los materiales se enviarán a la órbita en componentes mucho más pequeños y luego se colocarán, soldarán y ensamblarán utilizando drones, robots, cápsulas para una sola persona y una máquina de construcción espacial desarrollada por Orbital Construction llamada GSAL. Esta es en realidad la parte más importante, porque aprenderemos cómo construir estructuras masivas en el espacio a partir de lo que aprendemos sobre la construcción de la estación Von Braun.

d.b: ¿Cómo combina su estación espacial funciones científicas y hoteleras?

Tim Alatorre: La estación Von Braun está diseñada con 24 módulos, cada uno con hasta 500 metros cuadrados de superficie. Cada uno de estos módulos tendrá una función dedicada diferente.

Varios están dedicados a áreas comunes como bares, restaurantes, áreas de recreación y sistemas mecánicos. Algunos módulos serán para funciones de hotel y residencias privadas. Otros módulos se venderán o alquilarán a gobiernos y organismos científicos para investigación y desarrollo.

Debido a que cada módulo es independiente, la estación funciona como una pequeña comunidad o parque empresarial, aprovechando los recursos comunes y manteniendo la privacidad y la seguridad. Nunca ha habido una instalación de investigación de baja gravedad en el espacio, por lo que creemos que el componente de investigación es fundamental. Del mismo modo, permitir un verdadero turismo espacial hará que la estación sea financieramente autosuficiente e impulsará la innovación y las políticas públicas de formas nunca antes vistas. Tanto la investigación como el turismo son clave para hacer realidad la habitación del espacio a largo plazo.

d.b: ¿Cómo pretende crear una atmósfera hogareña en el hotel de la estación espacial?

Tim Alatorre: En la película 2001: Una odisea del espacio, la Estación Espacial 5 de Stanley Kubrick es un hotel estéril, blanco, parecido a un museo. Si bien generaba una sensación claramente futurista en la película, en realidad, no era un espacio muy atractivo. Como humanos, nos conectamos de forma innata con los materiales y colores naturales.

Los avances en la ciencia de los materiales ahora permiten sustituir la piedra y la madera por materiales naturales livianos y fáciles de limpiar que normalmente no serían factibles de poner en órbita. El uso de tejidos, iluminación y pinturas de colores cálidos y materiales con textura, nos ayudan a conectarnos y sentirnos como en casa. Debido a que la estación tendrá gravedad, habrá un sentido de dirección y orientación que no está presente en la ISS. Señales adicionales usando iluminación y materiales ayudarán a "conectar a tierra" a los ocupantes.

d.b: ¿A qué dedica la gente su tiempo en el hotel?

Tim Alatorre: La mayor parte de la estación inicialmente tendrá aproximadamente una sexta parte de la gravedad de la Tierra y otras partes tendrán una gravedad cercana a cero. Las oportunidades de lo que se puede hacer en la estación son realmente emocionantes. Hemos pensado en varias cosas, pero estamos seguros de que se desarrollarán nuevos deportes, productos y empresas para permitir cosas con las que no hemos soñado.

Algunas de las actividades planificadas son jugar en el centro de gravedad cero, baloncesto de baja gravedad, trampolín de baja gravedad y escalada en roca.

Tom Spilker, el ingeniero principal de la estación, ideó un juego que implica correr alrededor de las paredes curvas y el techo del gimnasio. Además, existe la posibilidad de jugar juegos ficticios como el Quidditch de la serie Harry Potter y los juegos de batalla de la serie Ender's Game.

También habrá muchas de las cosas que ve en los cruceros: restaurantes, bares, conciertos musicales, proyecciones de películas y seminarios educativos. Eventualmente, planeamos ofrecer excursiones en verdaderas naves espaciales (no diseñadas para regresar a la Tierra) a otras estaciones oa la luna.

d.b: ¿Cómo serviría la comida en el hotel? ¿Qué hay de ir al baño?

Tim Alatorre: La mayoría de la comida se servirá en uno de los dos restaurantes de la estación. Estamos planeando cocinas de servicio completo con todos los platos que esperaría en un crucero de lujo o en un hotel importante. Muchos de los problemas logísticos para el servicio de alimentos fueron resueltos hace años por la industria de cruceros.

El principal desafío que tenemos es lidiar con el escape de los olores de la cocina y el humo, ya que simplemente no podemos ventilarlos al exterior como lo harías en la Tierra. Dado que tendremos gravedad artificial, los inodoros y los baños funcionarán casi de manera idéntica a lo que la gente está acostumbrada en la Tierra.

Los visitantes del hotel no tendrán que luchar con baños de microgravedad y duchas como los que usan los astronautas en la ISS. Toda el agua potable se traerá directamente de la Tierra y los usos no potables, como duchas e inodoros, utilizarán agua reciclada. No existe una limitación técnica para usar agua reciclada para beber, pero es una decisión que tomamos con base en la psicología humana, el mismo enfoque que se usó en la ISS.

d.b: ¿Cuál es el futuro del turismo espacial?

Tim Alatorre: El turismo espacial y la vivienda espacial para la persona promedio están al borde de un gran avance. Con el dramático aumento de empresas privadas que brindan servicios de lanzamiento a órbita de bajo costo y la comercialización general del espacio impulsada por la NASA, nunca ha habido un momento en la historia en el que haya sido financieramente más factible viajar al espacio.

Debido a que los costos generales siguen siendo tan altos, la mayoría de la gente asume que el turismo espacial solo estará disponible para los súper ricos, y aunque creo que esto será cierto durante los próximos años, la Fundación Gateway tiene el objetivo de hacer que los viajes espaciales estén abiertos a todos. .

Están desarrollando programas que brindarán a las personas con ingresos promedio la posibilidad de ganar o comprar boletos con descuento y pasar una semana en el espacio. Eventualmente, ir al espacio será solo otra opción que la gente elegirá para sus vacaciones, al igual que ir en un crucero o ir a Disney World.

d.b: ¿Cuándo se volverá normal? ¿Cuántas personas viajarán al espacio por turismo en 2025? ¿O 2030?

Tim Alatorre: El próximo avance necesario para que el turismo espacial sea normal será un vehículo de lanzamiento de la Tierra a la órbita de alta capacidad.

El vehículo con más probabilidades de estar operativo en un futuro próximo es el propulsor Starship y Super Heavy de Space X. Tiene una capacidad prevista de 100 personas para viajes a Marte y de hasta 1.000 personas para vuelos suborbitales, aunque aún no se conocen las especificaciones finales.

Elon Musk espera que Starship entre en órbita a fines de 2020 y, con suerte, los lanzamientos tripulados se realizarán un par de años después. Blue Origin también está progresando en su vehículo de lanzamiento pesado New Glenn. Estas embarcaciones reutilizables de gran capacidad son importantes para mantener los costos bajos. Virgin Galactic debería comenzar vuelos suborbitales para un número limitado de personas dentro del año, siendo el primero en comercializar con turismo espacial comercial.

Su precio por asiento aún está fuera del alcance de la mayoría de las personas, pero estoy bastante seguro de que tienen planes más grandes en proceso. La corporación Sierra Nevada también está logrando un progreso significativo con su vehículo Dream Chaser, que esperamos utilizar como nuestros "botes salvavidas".

El objetivo de la Fundación Gateway es tener Von Braun en funcionamiento para 2025 con 100 turistas visitando la estación por semana. Para 2030, el objetivo es tener dos estaciones en órbita con una población de al menos 500 personas viviendo en órbita permanentemente y 200 turistas por semana, para un total de más de 10,000 personas por año.

Además de esto, grupos como la Sociedad Nacional del Espacio y la NASA tienen sus propios objetivos. Para 2030, podríamos tener más de 1000 personas por mes viajando en órbita, la luna y más allá. Predicciones como estas se han hecho en el pasado, pero todas las piezas finalmente se están juntando para hacer que esto finalmente sea posible.

Mirando más allá de 2030, la estación Von Braun es una prueba de concepto para el próximo proyecto de la Fundación Gateway, que es una clase de estación llamada The Gateway, que albergará a más de 1400 personas. Estas serán verdaderas ciudades en el espacio que serán puertos de escala para aquellos que van y vienen de la luna y Marte.

Ricardo Bofill 1939-2022

Ricardo Bofill, el arquitecto español fundador de Taller de Arquitectura (RBTA), diseñador del icónico Walden 7 y de más de 1.000 proyectos en cuarenta países, ha fallecido este viernes 14 de enero a los 82 años en Barcelona, ​​según ha anunciado oficialmente su propio despacho a través de un comunicado.

Corría el año 1963 cuando, habiendo sido expulsado de la Escuela de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) por antifranquista, fundó lo que hoy sería un colectivo transdisciplinar. Con el poeta José Agustín Goytisolo, su hermana Anna —que además de arquitecta era música—, su primera mujer, la actriz Serena Vergano, y una docena de sociólogos, cineastas y fotógrafos formaron el Taller de Arquitectura en Sant Just Desvern, a las afueras de Barcelona, dentro de una antigua fábrica de cemento reconvertida en un monumental estudio-vivienda donde Bofill continuó viviendo toda su vida. Junto a ese estudio, el Taller construyó uno de los inmuebles más carismáticos de España, el Walden 7 (1975). Tal era la fama de lugar rompedor de ese edificio de viviendas que Juan Marsé hizo que el protagonista de su novela El amante bilingüe viviera allí. Eso sí, cada mañana el tipo apartaba de su camino las baldosas que se habían caído de la fachada.

Instalado en París, y conseguido su título de arquitecto en Ginebra, su enorme cultura, su frescura, su audacia y su charme convirtieron a Bofill en un proyectista cosmopolita. Desplegó su defensa de la plaza mediterránea como lugar de encuentro y convivencia y su obsesión por actualizar la historia —como monumentalidad habitada— por toda Francia. En Versalles, construyó Les Arcades du Lac (1982), una ville nouvelle de manzanas ortogonales que ―como Le Palais d’Abraxas o Le Théâtre y L’Arc en Marne-la-Vallée― combinan tecnología e historicismo, jardín francés, vivienda social y la obsesión bofilliana de reivindicar la convivencia cívica.

Tal vez por rebeldía o quizá porque se esforzó por ser un tipo libre, Bofill esquivó el racionalismo casi toda su vida. Le preocupó más construir lugares conectados a la ciudad que edificios aislados. En medio de una ola generalizada de depuración moderna —que solo empleó para simplificar y actualizar el carácter vernáculo de sus primeros proyectos— él siempre respondió recurriendo a la historia. Y a la tecnología. Así, fue postmoderno antes de la postmodernidad —cuando serlo pasó a indicar más moda que cultura histórica—. Con todo resulta paradójico que hoy resulte difícil ponerle fecha a barrios como Echelles du Baroque, en el distrito XIV de París, o Antigone en Montpellier, que, levantados a principios de los ochenta, construyen una presencia todavía abrumadora en la ciudad.

La firma elogió la capacidad de Bofill para "cuestionar el pensamiento dominante en arquitectura. [Sus obras] abarcan una expresión de estilo, conectada con el contexto, que presenta una fuerte dosis de innovación y riesgo". Además, RBTA ha confirmado que sus dos hijos, Ricardo Emilio y Pablo, seguirán al frente de la firma fundada en 1963.

Si el sueño de habitar columnas colosales lo combinamos con el uso de vivienda colectiva, el resultado puede llegar a ser una bomba de relojería, como sucede en el edificio de apartamentos de Chicago «Pensacola Place II» (1981). En ese icónico edificio, Stanley Tigerman convierte una fachada de vidrio de 14 pisos de altura puramente funcionalista, en un verdadero templo jónico habitado. Para ello, el arquitecto norteamericano superpone al volumen convencional del edificio un entablamento gigante como remate superior y unos balcones semicirculares que reconstruyen visualmente seis columnas de proporciones descomunales.

«La creación de la gigantesca columnata imaginaria se realizó con los materiales más sencillos. Las columnas, que son los balcones escalonados de los apartamentos, ganaron cuerpo con unas barandillas de malla fina recubiertas de vinilo que combinan transparencia para las vistas con aparente solidez para potenciar la ilusión.» (Tigerman, 1983)[1]

Lo que en manos de Tigerman resultaba un mero juego estilístico, o un guiño visual a la historia tan común en la efervescente posmodernidad, se estaba convirtiendo en la periferia de París, casi de manera simultánea, en poco menos que asunto de estado. El presidente francés, François Mitterrand, neoclasicista y faraónico a partes iguales,[2] pero siempre enamorado de los proyectos de gran envergadura, confía en Ricardo Bofill, en sus columnas gigantes, y en varios de sus acólitos, para construir algunos de los edificios de vivienda social más icónicos en los alrededores de la capital francesa. Todos ellos, complejos necesarios para la expansión de ciudades-dormitorio de nueva creación como Marne-la-Vallée o Cergy-Pontoise, que acogieran el crecimiento incontrolado de la metrópolis parisina. La idea de entender la vivienda como un palacio[4] sustituye aquí a la de la «machine à habiter» corbuseriana como propuesta para la reconstrucción francesa, convirtiéndose en el leitmotiv principal de proyectos como «Les Espaces d’Abraxas» (1983) del propio Bofill o «Les Arenes de Picasso» (1984) de Núñez Yanowsky, uno de sus antiguos colaboradores del Taller de Arquitectura. Ambos complejos están repletos de columnas de vidrio de hasta nueve plantas, entablamentos de hormigón prefabricado, y aires de un retrofuturismo distópico neoclásico, que les convertirá en contextos perfecto para rodar años después escenas de películas que dibujan futuros fatalistas como Brazil (1985) de Terry Gilliam o Los Juegos del Hambre (2008).

Estos proyectos se desarrollan bajo el amparo de una política pública que utilizará esta concepción formal palaciega de la vivienda social de construcción masiva como slogan perfecto para enmascarar un urbanismo que repite los errores del pasado, creando guetos cerrados y periféricos, sin mejorar tampoco los estándares de las viviendas, pero que sin embargo, construyen una falsa identidad de vivir como un «Rey Sol en un Versalles para el pueblo», en y entre esas columnatas de proporciones desorbitadas, sumergidos en esos palacios de periferia en los que nacerán los futuros príncipes y princesas del pueblo.

Su despacho ha anunciado un acto público que se celebrará los próximos 26 y 27 de enero en la sede de Barcelona para quienes quieran rendir homenaje a Bofill.

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